一直在想如今是否叫《西方建筑雕塑及绘画艺术的故事》更妥当？整理和复读时需要不停提醒自己老贡是以一名20世纪奥地利或英国人的视角进行的阐述，也就意味着对于20世纪的西方艺术，老贡“身在其中”，给出的命题是“实验性”，撇去文中提及的艺术是时代的反应的认可，作者本人对于多元化实验性的后现代及当代艺术也是在于罗列与反思，而更多的是给出一种开放的有可能性变化的态度。而总结该篇文章的目的主要在于一方面就当重读与梳理一本好书，另一方面里面出现的艺术品都标注了地点，这个诱

要点：所知与所见，立体性与图案性，循序渐进

艺术在历史至今的提纯中愈发清晰，如今更像是一种观念与行为的描述，而不是特指某种职业或形式。

“实际上根本没有艺术这回事，只有艺术家，他们是些男男女女，具有惊人天赋，善于平衡形状和色彩以达到“合适”效果。更稀罕的是具有正直性格的人，他们不肯在半途止步，时刻准备放弃所有唾手可得的效果，放弃所有表面的成功，去踏踏实实地经历工作中的辛苦和痛苦“

<没有结尾的故事：现代主义的胜利>

3.古典时代（希腊，前700-0）

4.罗马时代早期 （1-4世纪）

5.中世纪(5世纪-14世纪）

1）罗马晚期(东罗马）和至帝国奔溃后时期 （5-13世纪）

2）文艺复兴前夕（14世纪）

6.文艺复兴时期-启蒙运动(15世纪-18世纪）

1）文艺复兴前期，意大利与北方（15世纪）

2）文艺复兴盛期及身后一代（16世纪）

3）天主教与新教分开的欧洲，宗教改革（17世纪前中期）

4）启蒙运动时代（17世纪后期-18世纪）

7.法国大革命时期 (18世纪晚期-19世纪初期）

原始人对实物与图像认识区别不大。

艺术不是技术熟练程度发展史，而是观念和要求的发展，不同时代有着不同材质的表达

《死神头像》：玛雅人祭坛上的石头，发现于洪都拉斯的科潘，Museum of Mankind,London.

《伊努伊特的舞蹈面具》：出自阿拉斯加，Berlin

《阿兹特克的雨神-特拉劳克》，Berlin

原始艺术品大多为协调的造型+赋予人的感情与观念

《吉萨金字塔》：前2613-前2563年。

希腊学习埃及，欧洲是希腊弟子；几何形式的规整和对自然的观察为埃及艺术特点。

《有豺头的死神阿努比斯正监督称量死者的心脏，有灵鸟头的神使在右边记录结果》：前1285年，出

埃及制图关注是否完整，像是画地图而不是作画；立足于知识而不是观看。注重秩序感。稳定，质朴，和谐。三千年来埃及艺术几乎未变。

《图坦卡门和妻子》：前1330年，出自金和着色的木头图坦卡门墓室的宝座，Egyptian Museum, Cairo.

阿克那顿推行唯一神安顿，与其继任者图坦卡门推行新风格。

克里特岛推崇运动感与流动线条。与埃及开始相互影响 。

《那拉姆幸王纪念碑》：前2270，发现于苏萨，Louvre,Paris.

苏美尔（两河，美索不达米亚）文明爱好对称和精确,信仰不同于埃及，灵魂不需要通过尸体肖像保存，早期就习惯竖碑记录与纪念。

《亚述军队围攻要塞》：前883-859年，局部，雪花石膏浮雕，出自尼姆鲁德的阿苏尔纳其拉普利王宫 British Museum , London.

亚述王朝表现方式与埃及类似，但不那么刻板和整齐，鼓吹与宣传的艺术。

3.古典时代（希腊，前700-0）：

早期海盗起家克里特岛文明被新部落统治，风格由运动明快转向几何，严肃。

希腊雕刻家师承埃及/亚述，该作表明早期学习样板并不再用知识而是观察开始自己路线。

希腊早期在容器上图画，看出埃及方法，开始使用短缩法（埃及亚述从未出现），着眼于看物体的角度。

《雅典卫城帕特农神庙》，伊克底努：前447-前432年，多立安式神庙。

《帕特农神庙的雅典娜像》：前447-前432年，罗马时代大理石模品，原作为菲迪亚斯用木头，黄金和

帕特农没有不必要装饰，渐细的圆柱，前480年波斯战后，伯利克里安排伊克底努负责神庙，神像装饰交给菲迪亚斯（雅典娜和奥林匹斯宙斯雕像）。装饰沿袭埃及布局，以及早期几何图案布局。

在循规蹈矩和寓变化于规矩中达到平衡。规则不再是桎梏而是工具与助力。

米龙的作品主要还是改造古老的艺术手法，请模特观察改造，无关乎最真实的动作。

苏格拉底提倡“心灵的活动”，从姿势中观察出人的内在感情。

2.希腊化时代（亚历山大之后）前3-0世纪

《雅典卫城的厄瑞克特神庙》：前420-前405年，爱奥尼亚式神庙。

《胜利女神》：前408年，出自雅典胜利女神庙栏杆浮雕，大理石，Acropolis Museum, Athens

爱奥尼亚建筑圆柱细长，卷涡纹。优雅轻松。艺术家掌握动态表现和短缩法，自豪。

波拉克西特列斯：《赫耳墨斯和小狄俄尼索斯》，前340年，大理石仿制品原作青铜，Archaeological

古代艺术教诲。通过知识。类型化形象和个别化形象取得新的平衡。

古老图式要求身体的每一部分都采用最能显示部位特征的形象。前5世纪不表现强烈感情。

前4世纪学会心理活动和面孔的权衡。眉毛上扬，表情生动。

《科斯林柱头》：前300年，出自雅典胜利女神庙栏杆浮雕，大理石，Acropolis Museum, Athens

亚历山大帝国使得希腊成为地中海语言，希腊美学在东方变为柯林斯风格。爱奥尼亚卷涡纹增加叶饰，

追求强烈喜剧效果。为了动人。艺术家为了技术而技术，减少法术宗教联系。

艺术地位提升。表情技术熟练。知识与观察一样重要。每种风格都可能达到艺术完美境界。

4.罗马时代早期 （1-4世纪）：

《罗马圆形大剧场》，约公元80年，Rome.

底层多立安，第二层爱奥尼亚，三四是科林斯式半柱。罗马的土木工程。

《泰比里厄斯凯旋门》，奥朗日，法国南部，约公元14-37年。

罗马拱（ARCH）的使用。从希腊建筑取其所好。

制像沿袭希腊真实不美化。设法逼真不平凡。

《罗马的图拉真纪功柱》，约公元114年。

宣传战功，罗马人讲究实际的民族。

《男子肖像》，约公元100年，发现于埃及哈瓦拉的木乃伊，画于热蜡，British Museum , London.

希腊罗马化艺术取代东方艺术（中东地区），埃及画像不用埃及风格。

《乔达摩（佛陀）出家》，约公元2世纪，发现于巴基斯坦的洛里延坦盖（古代的犍陀罗），大理石，Indian Museum , Calcutta.

《佛陀头像》，公元4-5世纪，发现于阿富汗的哈达（古代的犍陀罗），石灰岩，有施色痕迹，Victoria and Albert Museum, London.

犍陀罗地区首先盛行雕刻艺术。 亚历山大时期将希腊雕刻术带到印度。

《基督和圣彼得，圣保罗》，约公元389年，尤尼乌斯-巴苏斯大理石石棺，Crypt of St Peter’s, Rome.

解释圣经意义。不能太像，犹太法禁止偶像崇拜，不关注动人，关注简单清楚的思想。基督教的兴起，古代世界的终结。

5.中世纪(5世纪-14世纪）

1.罗马晚期(东罗马）和至帝国奔溃后时期 （5-13世纪）：

《拉维纳克拉赛的圣阿波利奈尓教堂》，约公元530年，基督教初期的巴西利卡式教堂。

扶正后的基督教没用古圣庙，采用“皇宫”结构。

6世纪西罗马拉丁格里高利教皇主张图像，一切清楚表达思想-原始。中世纪原始手法和精细手法的混合。吸收希腊艺术。

《亚堔主教堂》，公元805年奉献建造。

《北安普顿郡厄尔斯巴顿的万圣教堂》，约1000年，一座模仿木造建筑结构的萨克逊塔楼

欧洲不停被北方条顿部落侵略，维京人擅长精细金属品，相对原始。将北方传统融入基督教艺术。北方传统艺术家技术手法都很完备。古典与本地抵触后促进新方法。古典艺术成就没有失传。

光显造型衣服的褶皱，最好的古典样式。

《圣马太像》，公元830年，选自福音书写本，可能画于兰斯，Epernay。

线条受北方饰带线条影响，表达敬畏和激动的心情。中世纪画家知道画他们感觉到的东西。

《基督为使徒洗足》，公元1000年，选自奥托三世的《福音书》 ，可能画于亚堔，Bayerische

关心圣神要义。继承希腊“心灵活动”的遗产。

《堕落后的亚当和夏娃》，公元1015年，希尔德斯海姆主教堂青铜大门上的浮雕。

撇除和表达观念不需要的东西。

《贝叶花毯》，公元1080年，英王哈罗德向诺曼底的威廉公爵宣誓效忠，然后贵航英格兰，Musee de la Tapisserie, Bayeux.

中世纪艺术不仅仅为宗教服务还有君主贵族。没有样板可效仿记事。难忘。

《阿尔萨斯的穆尔巴哈的本尼狄克会教堂》，公元1160年，罗马式教堂。

欧洲大陆称罗马式，英国称诺曼底式，装饰少像堡垒，尖塔。

与建筑宏伟气势呼应。元素回想黑暗时期。

《达勒姆主教堂的中殿和西翼正面》，公元年，诺曼底式主教堂。

恢复罗马制拱术。巴西利卡教堂木结构缺乏尊严，易失火。“肋式拱顶”。

12世纪十字军东征。拜占庭影响。西欧艺术家模仿赶超拜占庭。伸出右手姿势中世纪表示讲话手势。不注重自然外形。

装饰性平面安排人物形状。构图：composition, 放在一起。单纯的再现，新的自由，实验构图。

脱离自然使用色彩，超自然理念。

《阿尔勒的圣特罗菲米教堂的正面》，公元1180年。

开始用传教的装饰元素。凯旋门类似。

沙特尔主教堂北侧翼廊的大门，公元1194年。

麦基洗德，亚伯拉罕和摩西，1194年，沙特尔主教堂大门局部。

嵌入建筑框架。新精神对待，不仅象征神圣庄严。每个独立的尊严。

《比利时的图尔内主教堂》，公元年，中世纪城市的教堂。

异教转变地区展示战斗姿态-对抗黑暗。

巴黎圣母院，公元年，可以看出十字形和飞扶剁的鸟瞰图

哥特教堂：支架立柱和肋，类似温室，石头玻璃，尖塔，立面清晰明快。

亚眠主教堂的中殿，罗贝尔·德·吕扎什，约年，哥特式教堂内部

展示胆量，内部感受推力与拉力的作用。

巴黎圣徒小教堂，公元1248年，哥特式教堂窗户

花饰窗格：窗户交织线条。

斯特拉斯堡主教堂南侧翼廊的大门，约1230年。

圣母安息，斯特拉斯堡局部。

新颖意图手法。不同中世纪早期空虚造型。学习古罗马衣饰覆体。不只要表现什么，还有怎样表现。自然中学习使形象更加真实可信。使故事更感动信服。

东罗马帝国图像神圣化，遵循规则传统，保留希腊艺术观念成就。东方艺术宏伟庄严。影响俄罗斯。

埃克哈特和乌塔，约1260年，取自瑙姆堡主教堂唱诗班西的创建者群像。

给石头灌注生命。创建者造像。

尼古拉·皮萨诺：《圣母领报，基督诞生和牧羊人》，1260年，比萨西礼堂布道坛的大理石浮雕。

13世纪意大利和拜占庭密切，瞄准君士坦丁堡而不是巴黎，拜占庭坚实基础，顺应了后期北方艺术趋于真实。

人体知识增长，超越细密画。主要表现情感和规则构图。

13世纪写生因为没有程式化图样。忽视问题因为无关大局。

2.文艺复兴前夕（14世纪）：

拜占庭艺术由于保留希腊成就，使得意大利人跳过分割雕刻绘画障碍。方法-拜占庭，目标观点-北方雕刻家。

圆雕感，明暗，短缩法，褶皱。平面创造深度。

感到亲眼看到事实事件。不要完全表现，选择当时场面。艺术家地位开始上升，艺术家

威尼斯总督宫, 1309年开始兴建。

威尼斯繁荣强大极点。哥特风后期喜欢装饰花窗，任可以达到壮丽效果。

中世纪艺术家画教师典型姿势。下页日常生活。注意现实和主图不符。14世纪叙述和真实观察结合。意大利影响。

《圣母领报》, 西莫内·马丁尼和利波·梅米，1333年,西耶那主教堂祭坛画一部分，木板蛋胶画，

花瓶真实性，和人物的空间感。比较中世纪，人物布局和真实性得到发展。

圣母和圣婴, ,埃夫勒的若昂于1339年奉献，镀金白银，珐琅和贵重宝石，高69cm，Louvre,Paris。

唤起热爱感情。兢兢业业组织。

法国是当时欧洲中心，真实的雕像。所知第一个真正的艺术家子雕像。

意大利和法国艺术传播欧洲（波西米亚），交流引起：国际式风格；供养人。短缩法，写生的花朵。

埃克塞特主教堂西翼正面, 年,盛饰式风格。

14世纪趋向风雅不是宏伟。早起纯哥特风格，早期英国式，后期盛饰式。喜欢在装饰和窗格。

《五月》，林堡兄弟，1410年，取自为贝里公爵所画的时祷书，Musee Conde,

无法表现活动空间，真实感来自于细节。宗教故事转为自然一角。会写生。

《猴子》，皮萨内洛，1430年，取自一本速写簿银针画于纸上，Louvre,Paris。

新规矩形成，描绘自然，画入细节，艺术家开始探索视觉法则，像希腊人构成雕塑。

人们兴趣发生转移，中世纪艺术结束-文艺复兴到来。

6.文艺复兴时期-启蒙运动(15世纪-18世纪）

1.文艺复兴前期，意大利与北方（15世纪）：

阿尔卑斯山以北。不再庄严生硬。真实感。

熟悉哥特起拱技术。在罗马丈量古迹。发明透视法。

弗洛伦萨主教堂的圆顶，布鲁内莱斯基，年。

宏伟即罗马。圆柱，三角额墙。

帕齐小教堂，布鲁内莱斯基，弗洛伦萨，1430年，文艺复兴初期教堂。

《三位一体以及圣母圣约翰和供养人》，年，湿壁画，Church of Sta

没有精巧，壮大凝重。透视框架构图，雕塑性，不像乔托，注重个人情感。

最忠实描绘。相对南方科学的细节增加，真实的错觉。尼德兰：花朵珠宝美丽外观；意大利：鲜明轮廓线，清晰透视法，躯体准确性。发明油画。

折页。庆典打开，鲜艳。平时合拢，朴素。亚当夏娃忠实描绘。

《阿尔诺菲尼的订婚式》杨·凡·艾克，1434年，木板油画。

证婚人。第一次真正的目击者。

决裂。系统研究罗马遗物。渴望艺术复兴，求助自然科学与古代的遗物。 终于自然。

不再漠然安详，生气勃勃。用自然取代精致。研究人体。

希律王的宴会，多纳太罗，年，洗礼堂的洗礼盘浮雕， Siena Cathedral.

西耶那。无意整体怡人，表现一瞬间乱。故意粗糙生硬。

欧洲各地在追求真实性，用身边的场景。日内瓦湖，塞利为山。感动。

调和新成就和旧传统清晰克制。喜欢让主要人物清楚。任忠于哥特艺术。

基督受洗，吉伯尔蒂，1427，青铜镀金，洗礼堂的洗礼盘浮雕，Siena Cathedral.

布局沿袭传统，保留真实。一点点景深暗示，突出在浅浅的背景。

《卸下圣体》，罗吉尔·凡·德尔·韦登，1435年，祭坛画；木板油画，Prado, Madrid.

1450年去过罗马。构图得到提升。把哥特风格更为逼真。调和艺术满足和宗教要求。

用马萨乔新方法表达宗教艺术传统观念。多明我会。谦抑，不炫耀。

透视技法。主要意图不在于炫技，在于传达宗教观念。

就像北方的安杰利克学习马萨乔一般学习凡艾克。抓住了纯真和童心。看起来比中世纪易理解，不过仍是过去艺匠的精神。

剑桥国王学院的礼拜堂（175），1446年，垂直式风格。

晚期哥特风开始倾向简洁。取消侧廊立柱尖拱。像高耸大厅不像教堂。15世纪北方仍忠于传统，凡艾克发明基于习俗程式，无关科学。仍然是中世纪艺术。

《法兰西国王查理七世的司库官艾蒂安纳·写瓦利埃和圣司提反》，让·富凯，1450年，祭坛组画之一，木板油画，Gemaldegalerie, Staatliche Museen, Berlin.

北方与意大利有往来。让富凯到访过罗马。让富凯加入了色调明暗。对物体质地外观感兴趣得益于北方传统。

15世纪艺术反映现实世界。行会确立。绘画学校是师徒制。把哥特式翻译为古典形式。哥特形式与现代形式相互协调。

曼图亚的圣安德烈亚教堂，而尔贝蒂，1460年，文艺复兴时期教堂。

立面成罗马式凯旋门。不适合普通住宅。

弗洛伦萨的鲁切莱府邸，阿尔贝蒂，1460年。

三层建筑。古典装饰立面。扁平壁柱构成网格。罗马大剧场。中和传统和古典。

与戈佐利趣味类似，国际风格，生活趣味，安排画面，喜欢再现生活。

研究透视。凡艾克的相对路线：透视技法构成真实舞台。

圣罗马诺之战，乌切洛，1450年，出自美第奇宫，木板油画， National Gallery,

欢乐画面。有点造作感-数学布局，像一个舞台没有加入光线明暗大气润饰。

公众喜欢两全其美。安杰利克学生，不同于师傅。快乐场面。被贡布里希称作二流艺匠。回到国际哥特式风格趣味。

处理光线，光线阴影营造气氛马萨乔最伟大继承者。

君士坦丁大帝决战前梦见天使，接受了基督教。一道光照亮。短缩法天使。

内心与外界同样关心。重现场景。研究场景。沿袭马萨乔，如同舞台监督。

圣詹姆斯在赴刑场的路上，曼泰尼亚，1455年，湿壁画已毁， Church of the

与同时代佐格里差别大，透视法创造舞台，人物好像立体活动。

《善良人在临终的床上》，1470年，木刻，乌尔姆镇印刷的《善终术》插图。

15世纪中叶德国发明印刷术。木刻早期。图画-书。

解决真实场景构图问题，但不是很成功。原先平面容易构图。

圣塞巴斯提安殉教，波拉尤洛，1475年，祭坛画，木板油画， National Gallery,

生硬。尝试找到解决构图的问题。清楚对称。

抑郁症。作品紧张严肃。尽力呈现真实场景，减少没有意义空白，需要意大利的科学思想了。

鲁昂法院（旧为宝库）的庭院，1482年，火焰式哥特风格。

15世纪北方艺术家沿袭老路。发展哥特风。哥特风最后的潜力，变化无穷的装饰，不考虑功能。

为了达到轮廓线优美改了自然形象，增强了设计上的美丽和谐感染力。解决透视中构图问题。

不是基督教传说。罗马古典神话。体态轻盈脖子长度不合理，肩膀不合理。画面优美和

《克拉科夫圣母教堂的祭坛》，法伊特·施托斯，年，木头着色。

德国纽伦堡。雕刻家继承罗吉尔传统。

马丁·舍恩高尔（Matin Schongauer), , 阿尔萨斯地区科尔马，铜板画家。

尼德兰精神，渴望展现细节。注重物体质地和外表。

《圣诞之夜》，舍恩高尔，年，铜板画

基督教传统题材。保持构图平衡。对角线交叉点是圣母头部，即画面中心。

2.文艺复兴盛期及身后一代（16世纪）：

达芬奇师傅。多纳泰罗传统继承者。

解剖精细，清楚轮廓，给骑士和坐骑灌注活力。

米开朗琪罗的师傅。15后期重要艺术家。展示当时生活。

展示上流社会贵妇拜会。主题切合时代喜爱古代艺术。图像加入浮雕。

乔尔乔内和提香的师傅。威尼斯画家比其他地区画家对于颜色更深思熟虑，精细入微。弗洛伦萨更对素描设计感兴趣。威尼斯画家把色彩也是主体。色彩光线统一画面。

《圣母和圣徒》，乔瓦尼·贝利尼，1505年，祭坛画，木板油画，Church of

色彩柔和富丽。布局和秩序。人物变成活生生人而不剥夺神性和尊严。

16世纪艺术家地位上升，艺匠变为赏脸君主宗教。热情拥护新风格。受教皇尤里乌斯2世委托新圣彼得教堂。

罗马的蒙托里奥的圣彼得教堂院内的小神庙，布拉曼特，1502年，文艺复兴盛期的礼

圣彼得教堂没有建完，参见纪念章图案，奇迹建造奢靡加速宗教改革，赎罪券。

拉斐尔老师。温布利呀派领袖。真诚可爱手法。学会渐隐法，保持景深不破坏平衡。

《圣母出现在圣贝尔纳面前》，佩鲁吉诺，年，祭坛画木板油画，Alte

布局简朴，安详轻松，牺牲自然写照。追求标准美。

乔尔乔内（Giorgione), ，威尼斯，画家。

低调。运用色彩。绘画融入色调色彩光线。

画面由于光和空气融为整体。风景本身成为题材。不勾画物体，想象为整体。

莱奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci), , 弗洛伦萨，艺术家，画家，博物学家，工程师。

文艺复兴三杰之一。佛罗伦萨工匠出生艺术家，不是专门培养的学者。不依赖权威，通过实验解决。好奇心，解剖尸体，孩子子宫发育，水波和水流规律，观察鸟类昆虫飞翔，建造飞行器，岩石云彩形状，大气对物体颜色的影响。关注艺术家地位。自我决定作品完成时间。

不需要牺牲素描正确性，达到构图协调。现实的一角，真实性。人物与故事性的统一。

给观众留下猜想的余地。轮廓不那么清晰。渐隐法。背景不同地平线。根据视点改变

阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Durer), ，德国，画家，版画家。

理解新的艺术原则并结合自身。早期金匠儿子师从纽伦堡插图画工坊艺匠米歇尔·沃尔格穆特。后流动工匠，研究过舍恩高尔，曼泰尼亚。早期作品表达宗教的普遍不满。绘画像凡艾克力求自然忠实，增加细节。发现一味追求自然产生不了南方的美感。设立理想美，奠定新的艺术准则。注重艺术家地位。

《圣米迦勒大战恶龙》，丢勒，1498年，木刻。

当时正值路德宗教改革前夕。抛弃传统英雄轻松姿势，真实费力。

哥特风格的真正继承人。忠实反映自然。增加细节。奠定真实景象基础。

《耶稣诞生图》，丢勒，1504年，铜版画。

宁静的田园气氛，描写自然集大成。后转向意大利新艺术目标。

《亚当和夏娃》，丢勒，1504年，铜版画。

体现丢勒对美与和谐新观念。还不那么成熟。南方理想移植北方第一次尝试。

马丁路德的朋友。诗意构思。关注美丽的环境。

《天堂与地狱》，希罗尼穆斯·博施，约1510年，三连画的左右两翼；木板油画，Prado, Madrid.

这个时期伟大的尼德兰艺术家多是不肯拖入南方新艺术运动的艺术家。成功把人们心中的恐惧转化可感知具体形象。虚拟视觉模拟。

《圣路加画圣母》，马布斯（），尼德兰，1515年，三连画的左右两翼；木板油画，Narodni Galerie, Prague.

16世纪初尼德兰艺术家大部分忠于旧法，热爱新方法让二者兼得。显示新掌握的透视法，古典建筑，明暗技术。缺少了两方各自的单纯和谐。

名字不确定。丢勒是革新家，他是坚持自己风格。艺术目标：用图画布道。

《磔刑图》，格吕内瓦尔德，1515年，伊森海姆祭坛组画之一，木板油画，Musee

一切以传道为目的秉承中世纪原则，牺牲悦目美，不管比例。有助传道。伟大而不先

《基督复活》，格吕内外尔德，1515年，伊森海姆祭坛组画之一，木板油画，Musee

效果依赖色彩。士兵过分丑化来表达震惊程度，像刚翻倒的木偶。

文艺复兴三杰之二。在吉兰达约做过三年学徒。与师傅不同理念。研究人体解剖，彻底理解人体。尤里乌斯二世邀请修建陵墓与圣约翰冲突。独自完成西斯廷壁画。

西斯廷礼拜堂天顶画，米开朗琪罗，年，湿壁画，Vatican。

独自4年完成。单纯和谐。可以任何姿势角度展示人体。创造亚当最著名。

为西斯廷礼拜堂天顶画中的女预言家所作的草图，米开朗琪罗，1510年，红粉笔，浅

速写。观察肌肉相互作用。

《垂死的奴隶》，米开朗琪罗，1513年，大理石，Louvre, Paris。

生命正在消逝支配。奋斗得到最终松弛和解脱临终。

文艺复新三杰之三。性格温和。成功塑造圣母形象-就像米开朗琪罗的圣父。老一辈人的目标：用完美而和谐的构图表现自由运动的人物形象。不再忠实自然，使用想象的标准美。

成功塑造圣母形象。得益于佩鲁吉诺平静美。丝毫没有勉强矫饰。

灵感源自弗伦伦萨是人波利齐亚诺，也曾激发过维纳斯的诞生。人物与人物间相配合，

每一 个运动与一个反运动相呼应。不停运动遍及画面却不破坏构图。标准美。

《教皇莱奥十世和两位红衣主教》，拉斐尔，1518年，木板油画，Uffizi, Florence.

绘画期间，路德已经攻击修建新的圣彼得教堂筹集款项。 布拉特曼去世后拉斐尔接

手。性喜交际，37岁去世。

一直生活在帕尔马小镇。学会莱昂纳多处理明暗的方法。被誉为时间内“先进的”大胆革新家。

布局随意，用光突出圣母圣婴取得平衡，比提香更多用光引导人的视线。

控制光效。让人产生幻觉好像屋顶洞开。

《圣母升天（为帕尔马主教堂藻井画的草图》，克雷乔，粉笔，British Museum,

素描草图。克雷乔寥寥几道粉笔线暗示出耀眼光线，手法简洁。

提香（Titian), ，卡尔多-威尼斯，画家。

驾驭颜色的大师。无视构图规则用色彩衡量构图。推翻传统结构构图。

《圣母，圣徒和佩萨罗家族成员》，提香，年，祭坛画画布油画，Church

圣母不在中心。构图却欢快活泼和谐。用光空气色彩把场面统一起来。

《男子肖像，即所谓的“年轻的英国人”》，提香，年，画布油画，

同样的神秘生气。权贵相信他的艺术使人永生不灭。

《教皇保罗三世和亚历山大与奥塔维奥·法尔内塞兄弟》，提香，1546年，画布油画，

意欲比拉斐尔更为生动描绘人物。未完成提香就去给德国查理五世大帝画像。

丢勒的继承者。年轻掌握北方和意大利的技艺。

《圣母和供养人巴塞尔市长一家》，小霍尔拜因，1528年，祭坛画，木板油画，

当时最好的供养画，细节来看北方手艺。走向德语区一流大师。

《托马斯·莫尔爵士的儿媳安妮·克莱萨尔像》，小霍尔拜因，1528年，黑色和彩色铅

正值宗教改革，离开瑞士到英国，开始肖像画工作，不可以画圣母了。

《里查德·索斯韦尔爵士像》，小霍尔拜因，1536年，木板油画，Uffizi, Florence.

记录亨利八世男女。没有戏剧性，观看越久越能揭示被画者内心个性。不加毁誉。

《伦敦的德国商人格奥尔格·纪泽斯像》，小霍尔拜因，1532年，木板油画，

有时候的“浅显”是霍尔拜因的意图，年纪增大减少炫技。克制。

卡昂的圣彼得教堂的唱诗班席外观，皮埃尔·索西尔，年, 哥特式变体建筑。

布鲁日的旧公署，杨·沃洛特和克里斯蒂安·西科斯丹尼尔，年, 北方文艺复兴建筑。

意大利先进三要素：科学透视法，解剖学，古典建筑形式知识。15-16世纪，南学北渐，北方艺术家在哥特建筑基础上修改意大利元素。把不一致风格协调在一起。

威尼斯的圣马克图书馆，雅各布·桑索维诺（），1536年，文艺复兴盛期建筑。

威尼斯地位仅次于弗洛伦萨。和伊斯坦布尔关系密切。适应威尼斯的明亮光辉下层多立安柱式，上层罗马大剧场规则，爱奥尼亚柱式。

《长颈圣母》，帕尔米贾尼诺（Parmigianino，)，画家，，画家去世时左部未完成；木板油画，Uffizi,Florence.

克雷乔追随者之一。造型造作，拉大人物形体，牺牲大师确立的“自然“美，突破标准，加入想象，第一批”现代派“。

切利尼爱说大话吹嘘虚荣，捞虚荣，时代产物。时代：忙碌热切力求创造比前人作品更有趣，更不凡的东西。

法国接受了意大利艺术形式，精致优雅的手法主义。

维琴察附近的圆厅别墅，安德烈亚·帕拉迪奥（Andrea Palladio，)，建筑家，1550，意大利16世纪的别墅。

圆厅别墅。随想曲。四面相同围合中央大厅。不乐于居住但是美。外观新奇干扰了建筑的正常用途。

弗兰德斯未受宗教改革影响，擅长精细北方画派，诞生门类画。

认为艺术艺术家尊严很重要。展示骄傲的艺术家和愚蠢的戴眼镜男人。

取材下层生活表达思想。 门类画方向。表达农民。

创作者目的：实现不可能：克服无生命躯体重量产生飞跃之感。古典雕刻家认为效果不适合雕像，但创作者便要显示取得的效果。

厌烦提香形色之美。认为他缺少震撼人心的力量。圆润修饰工作对他提不起兴趣，他就不再加工。

独特动人心魄。故事：威尼斯建立起圣马可教堂把尸体从亚历山大搬回威尼斯。展示

神秘，丁托列托牺牲柔和色彩美，其本位威尼斯画派引以为豪的技法。

《圣乔治大战恶龙》，丁托列托，年，画布油画，National Gallery,

用奇异光线和松散色调加强气氛的紧张和激动。

罗马耶稣会教堂，贾科莫·德拉·波尔塔（Giacomo della Porta，)，建筑家，年，初期巴洛克教堂。

巴洛克（荒诞怪诞）一词是指反对讽刺17世纪艺术倾向的批评家用词。1575年建成时是一个极端革新作品。是当时天主教耶稣会对抗宗教改革的产物。立面想起凯旋门。双柱。四周向中央形成高潮。整体效果，融合，形成一个巨大复杂图案。加入卷窝纹，链接上下部分。孤立看起来妙明奇妙但都是达成意图的必要手段。

霍尔拜因留下的肖像画分支后来手法主义明显，宫廷气派。精致优美替代单纯风格。

罗马祖卡里宫的窗户，费代里科·祖卡罗（Federico Zuccaro，)，画家建筑家，1592年。

盛期大师标杆，后世模仿手法-手法主义。后人奋斗超越盛期大师，米开朗琪罗“随想曲”先例。青年作为许可证。

埃尔·格列柯（El Greco, )，希腊克里特岛，画家。

看惯家乡古代拜占庭手法。没有养成看画留心正确设计。观看丁托列托没有不适。定居西班牙，当时西班牙中世纪艺术还在，因此其在大胆蔑视自然形状形体，表现激动人心超过丁托列托。

《揭开启示的第五印》，埃尔·格列柯，年，画画布油画，Metropolitan

不平衡构图，拉长人物的手法用于新意图。源于西班牙当时没有鉴赏手法主义。没有

《霍尔腾西奥·费利克斯·帕拉维奇诺修士》，埃尔·格列柯，1609年，画布油画，

画室繁忙，作品不适同样出色。一代后认作形状色彩不自然。一战后现代派画家重新

《两个意大利丑角》，雅克·卡洛（Jacques Callot, )，约1622年，取自蚀刻组画《斯费沙尼亚之舞》中一副的局部。

结合手法主义和布吕格尔的精神，底层人物表现人类愚蠢，时代进入新议题。

3.天主教与新教分开的欧洲，宗教改革（17世纪前中期）：

卡拉奇：讨厌手法主义，克服手法主义矫饰，学习拉斐尔单纯美丽，“折中主义”在于后事的评判，但卡拉奇本人是个杰出艺术家。掩饰死亡的恐怖和痛苦，构图如初期和谐，但是布光戏剧性不同以前，巴洛克式。

卡拉瓦乔：不应害怕丑陋，需要真实，眼睛看到的真实。被说成“自然主义者”,去掉不必要的修饰，不画人们愿意看到的。

雷尼：卡拉奇画派，一度和拉斐尔齐名，有意扔掉低下丑恶或者不合适崇高观念的自然事物。拉斐尔的美感和宁静是他天性和艺术的自然流露，雷尼从原则出发才决定如此作画。受到当时境地和原则影响。

新古典派或学院派：卡拉奇，雷尼和追随者们制定出了按照古典雕像树立的标准去理想化，美化自然的方案。

1600年23岁在罗马，多学无派别。弗兰德斯艺术家关心色彩缤纷事物外观，不在意意大利的美的标准和高雅题材。鲁本斯基本信念属于弗兰德斯，同时赞赏意大利新艺术。1608回到安特卫普，学会意大利巨大画幅。

最大的艺术奥秘：可以用技巧使东西栩栩如生，热情快活起来。

《加冕的圣母与圣婴和圣徒》，鲁本斯，年，祭坛画速写，木板油画，

深刻理解汇总意大利前人经验，动作，光线，空间，人物。引导看画人视线。

《女孩头像》，鲁本斯，1616年，画布油画，裱贴于木板。Sammlungen des

迎面肖像。感受到肖像活人感。不再用色彩塑造素描，运用涂抹性手段，加强活力。

佩剑自画像。意识到自己独一无二的地位。但是目光没有自大虚浮。

《和平赐福的寓意》，鲁本斯，年，画布油画，

寓意画当时表达思想观念手段。鲁本斯不喜欢古典美理想型。喜欢活生生生动感。喜

爱喧闹形形色色的生活，表达内心喜爱，没有流于巴洛克装饰品。

鲁本斯的徒弟。技艺精湛。作品流露出无精打采和忧郁。1632当上了查理一世的宫廷画家，记录宫廷生活。

《英格兰国王查理一世》，凡·代克，1635年，画布油画，Loure, Paris.

表现君主永垂青史形象，社会的急切需求。

《斯图亚特家族中的约翰勋爵和伯纳德勋爵》，凡·代克，1638年，画布油画，

后期订单增大独力难支，助手通过假人画身体，他画头部，危险先例。更加善于把贵

族的高贵和绅士的潇洒形象化。

马德里菲利普四世宫廷画家。吸收卡拉瓦乔“自然主义”方案，表现对自然冷静观察。后期学会用我们想象追随他的引导，补足省略，19世纪巴黎印象主义赞赏委拉斯开兹胜过其他以往画家。

《塞利维亚的卖水人》，委拉斯开兹，年，画布油画，Wellington

棕色，灰色，微绿色调为主，整体和谐难忘，卡拉瓦乔式强烈性和观察。

《教皇英诺森特十世像》，委拉斯开兹，年，画布油画，

晚年画于罗马，掌握了提香手法，精通物质光泽和表情。笔法与色彩微妙和谐。

把国王夫妇愿望化为现实。本人入画。

《西班牙王子菲利普·普洛斯佩尔》，委拉斯开兹，1659年，画布油画，

原作颜色深度多样，冷色调银色调化入背景，小狗画法仅仅抓住小狗独特印象，反而

比杨凡 艾克小狗更自然毛绒。

普森：以罗马为第二故乡，研究古典雕像来表达心中淳朴高贵的昔日乐土。布局简单来自渊博的艺术知识，唤起恬静，安谧的怀旧景象。

洛兰：意大利化法国人，卡拉奇追随者，再现自然高手，理想美。打开人们眼界使人们看到自然之美。英国影响很大，人们按照画改造自然。

生活拮据。生平所知少。给人平衡感，但不显 露遵循什么规则。

《圣乔治军团的官员盛宴》，弗兰克·哈尔斯，1616年，画布油画，Frans

初期作品。 军团退役宴会。记录这么多人不简单，前人未成功。传达欢快场面气氛。

《皮特尔·凡·登·部勒克像》，弗兰斯·哈尔斯，1633年，画布油画，

17世纪投机商人，特定瞬间，固定在画布，乍看自然，出自深思熟虑。

新教荷兰应邀作画需求减少，只有肖像画，大多变成专业门类画画家，转为需要中间人面向公众。16世纪北方出现，17世纪走向极端门类画。用简单平实的手法表达海上的气氛，艺术史首先发现天空之美的人。

克劳德·罗兰同代人。主要本土风景，平凡宁静。门类画打开我们眼界看到平实之美。

《阿姆斯特丹的皇宫（前市政厅）》，雅各布·凡·卡姆彭，1648年，荷兰17世纪市政厅。

荷兰新教商人趣味与传统天主教不同，诚恳，勤勉，节俭，讨厌放纵的南部作风。17世纪中期荷兰繁荣顶峰，阿姆斯特丹市修建，仍然轮廓简单，装饰节俭。

出名的自画像，从时髦画家-孤独老年。破产悲剧与不屈不挠的意志的自传。富有农场主儿子-放弃学业当画家-25岁前往阿姆斯特丹成为肖像画家-结婚收藏古董-1642得到去世妻子遗产-负债-14年后情人儿子帮助-1669年生命结束没有留下任何财产。表现希腊人的“心灵的活动”。

棕色，灰色，微绿色调为主，整体和谐难忘，卡拉瓦乔式强烈性和观察。

赞助人与朋友像。哈尔斯是真实快感，伦勃朗表现整个人。概括一个人性格。

《冷酷仆人的寓言》，伦勃朗，1655年，芦柑笔纸墨水，Louvre, Paris.

进入圣经精神境界。三人之间的关系，寥寥几笔就表达出来了。

借用印度人土耳其人装束。心灵之眼。用色不鲜明，更有力和闪光对比。

《基督传道》，伦勃朗，1652年，蚀刻画。

同样是版画家。伦勃朗收到卡拉瓦乔启发。珍重真实与诚挚胜过和谐与图像美。构图

平衡，毫不藐视意大利艺术传统。

绘画反映的自然实际反映着画家的心境。静物画诞生，成了画家对专门问题进行实验的奇妙领域。专家们不知道逐渐证明题材远远不像人们想象的那么重要。17世纪艺术家们发现了可见世界的纯粹之美，最好荷兰专家们证明：题材是次要的。

生平作品少。实际是有人物的静物画。简单平实的画成为古往今来最伟大的杰作。他在表现物体的质地，色彩和形状上达到了煞费苦心的绝对精确，却平衡的很好没有费力刺目的地方。柔和与精确二者奇特无比结合。心画，即看心。

当时荷兰很多人遵循北方艺术传统，用快乐质朴画面表现人们现实生活。画家开一家客店挣钱，提供观察机会。把各种小事融合为一幅画的技艺。鲜明色彩温暖而柔和。

与斯特恩一般第二代画家。喜欢研究饱经风霜的树木的外表和阴影，如画的林景。善画幽淡云彩，暮光古堡和小溪，发现了北方风景的诗意。

4.启蒙运动时代（17世纪后期-18世纪）：

舞台化装饰最高代表。博罗米尼同代。

新颖，不落常套。贝尔尼尼运用刻画面部表情的技术，以具体可见的形式，传达了他

圣特雷莎是16世纪一个修女，自述天堂夺魂瞬间，痛苦与极乐。巴洛克艺术家目的：

激起强烈的喜悦和神秘的销魂之情。摒弃古典衣褶处理手法，让其缠绕回旋增加运动

《罗马纳沃纳广场的圣阿涅塞教堂》，弗朗切斯科·博罗米尼（Francesco Borromini, )，1653年，罗马盛期巴洛克式的教堂.

17世纪前期，意大利主攻装饰饰品，中期，巴洛克风格充分发展起来了。文艺复兴式形式。双重壁柱。巨大圆顶。一层正方形，二层圆形。两层间用古怪檐部链接。效果愉快。巴洛克卷涡纹充满装饰细节。舞台化戏剧化，使人感到欢愉。天主教借助艺术家为其服务，与新教反其道而行。

贝尔尼尼追随者。比克雷乔的天顶画更为舞台化。巴洛克风格发展起来后，所有艺术家通力合作，创造某种效果，而作为独立艺术的绘画和雕刻在天主教区衰微。

18世纪意大利艺术家主要装饰艺术和湿壁画。说的是马克安东尼设宴款待埃及女王佩特拉。

18世纪初，意大利风景画兴起。遵从华丽感，明亮感和色彩感。巴洛克风格。他发现，画家可以只画一部分，观众可以自己补足细节。画的远处的船只是几个简单色块构成，直指印象派。

法国，德国，奥地利，英国：

《凡尔赛宫》，路易·勒瓦和朱勒·阿杜安-芒赛尔， 年，巴洛克式宫殿，巴黎附近.

路易十四主导。巴洛克建筑，因为规模巨大而不是细节。1700年前后伟大建筑时期，当时所有艺术部门通力建成人造世界。天主教区城镇风景改造热潮。

伦敦圣斯蒂芬·沃尔布鲁克教堂内部，雷恩爵士, 1672年.

1700年，天主教地区巴洛克运动达到顶点。形式依照意大利文艺复兴。立面没有曲线没有运动意味，给人有力稳定感。不属于巴洛克风格。目标不是呈现另一个世界，让我们集中意念。

梅尔克修道院的教堂内部，普兰德陶尔，贝杜兹和孟根纳斯特, 1738年。

艺师从巴洛克画谱组织起来，形成高贵而不单调的外观。更奢侈的装饰细节使用在突出位置。古怪奇景。没有一件自然或是正常。预先领略天堂荣光。

维也纳观景楼的门厅和楼梯间，希尔德布兰特, 1724年，18世纪的铜版画。

德国博美斯菲尔登城堡的楼梯间，希尔德布兰特和丁岑霍夫尔, 年，巴洛克建筑。

建筑物形成一个复杂的图形，轮廓依然清晰。建筑内部是奇异装饰风格的全部效果。使用时正值社会贫富差距极大，内部和外部形成鲜明对比。

来自弗兰德斯，后定居巴黎。为贵族设计装饰，布置节庆。描绘远离一切苦难和琐事的生活景致。很多人认为华托开始反映18世纪初期洛可可趣味。近乎忧郁的景象。意识到美的稍纵即逝，带有伤感。

伦敦奇兹威克府邸，伯林顿勋爵和威廉·肯特（前者设计后者装饰), 1725年，帕拉迪奥式建筑。

威尔特郡斯托海德园林，1741年，洛兰式园林。

英国18世纪完美典型不在城堡在乡间宅邸。追求“高雅趣味”，找到了古典建筑法则。18世纪帕拉迪奥在英国被认为建筑趣味的权威。墙壁简单朴素，没有曲线和卷涡纹，没有雕像没有怪诞装饰。实际是理性思想规则。国民倾向是反对巴洛克设计的放纵幻想，反对立意支配情感的艺术。园林认为凡尔赛风格不合理不自然，反映自然美，标准源自于 克劳德·洛兰的画。

伯林顿勋爵时代，时髦绅士并不反对绘画雕刻，不给本地艺术家，倾向海外艺术家。当代艺术在英国没有市场，创作迎合同胞口味的新绘画。宣传布道画。构图，描写技法依然一流。

巴洛克18世纪初在法国已过时，洛可可到来。英国贵族梦境也退却，关注普通人民生活。夏尔丹善于体会家庭场面中诗意，不追求惊人效果及明显暗示，类似维米尔。色彩克制。

贺加斯后一代。迎合18世纪英国文雅口味。去过意大利把大师认作不可企及的典范。认师卡拉奇，研究模仿古代艺术家高明之处，担任皇家艺术学院第一任院长，阐述“学院派”观点：信奉艺术权威重要性；他的肖像画表现性格和社会角色。

约翰逊圈子里一位知识分子，亲近得体真实记录。

《鲍尔斯小姐和她的狗》，雷诺兹，1775年，画布油画，

让我们看到小姑娘对宠物的感人之爱。摆拍法。

不喜欢“发明”，设计。与雷诺兹像卡拉奇与卡拉瓦乔。喜欢不依照程序的肖像画。快速笔法类似哈尔斯。微弱阴影和笔触使人联想到华托。

《哈佛菲尔德小姐》，盖恩斯巴勒，1780年，画布油画，Wallace Collectio,

把简单动作画的优美动人。

无奈时间主要画肖像画。他主要兴趣画速写，买家少画速写，设计构图用以激发心

法国18世纪同样有“如画”趣味。继承华托上流社会主题传统，善于发现实际景致中的宏伟和妩媚。

法国18世纪和英国一样新的兴趣关心普通人而不是关心炫耀权势者排场，有益于发展肖像艺术。继承100多年前贝尔尼尼传统，伏尔泰胸像表现冷嘲热讽才智和同情心。

7.法国大革命时期 (18世纪晚期-19世纪初期）

伦敦特维克纳姆的草莓山别墅，沃波儿，本特利和丘特, 年，英国，新哥特式别墅。

18世纪晚期，理性思想深入人心，反对传统帕拉迪奥规则，发现建筑风格随意可选，如同墙纸，没有明确的规定。

历史画开创。重构当时场面。如同今日导演。有浪漫主义情调，反映出对罗马宏伟有所偏好。

革命政府官方艺术家。马拉：革命领袖在浴室被狂热分子刺杀。新古典风格。希腊罗马人体美学，古典艺术删繁就简，去掉细枝末节，力求单纯。

诗人及神秘主义者。拒绝官方艺术及标准。受人救济为生。为自己诗篇作的插图。图解耶和华在渊面画出圆圈的景象。有米开朗琪罗影像。不是上帝自身而是想象的存在，叫尤里森【Urizen】，幻想似梦魇，圆规似闪电。布莱克不肯写生，依赖内心眼睛。素描缺陷但艺术要旨不在此。文艺复兴后公然反抗传统标准艺术家。一个世纪后才被认为英国艺术最重要人物之一。

《乡村宅邸设计图》，约翰·索尼爵士, 1798年，英国伦敦，取自《建筑画集》。

多立安柱式复兴实例，使用了帕特农神庙见识过的柱式原型。与肯特的传统下设计，索尼更像是练习如何使用希腊建筑要素。

弗吉尼亚的蒙蒂塞罗住宅，托马斯·杰斐逊（美国第三任总统）， 年，美国，新古典主义风格。

当时理性人士反对建筑规则化。华盛顿沿用希腊复兴风格。法国大革命者当自己为新雅典人。拿破仑后，新古典派成为帝国风格，欧洲大陆，哥特复兴也一并发展。

没有追求近代技法追求宏伟传统。

《西班牙国王费迪南德七世像》，戈雅，1814年，画布油画，

肖像画不同视角不谄媚权贵，展露其虚夸丑陋贪婪空虚，前无古人。

《巨人》，戈雅，1818年，飞尘蚀刻法.

戈雅不图解任何已知题材，中断传统：艺术家有自由把个人幻想画在纸上。

当时时代艺术家面临两种可能，一种是以绘画为手段的诗人追求动人戏剧性效果，一种是固守母题用毅力和诚实探索。弗里德里希属于浪漫主义 。

切尔腾纳姆的多尔赛特府邸，帕普沃斯， 1825年，英国，摄政王式建筑正面外观。

建筑师发现15世纪以来古典建筑规则源自罗马衰败的遗迹。“希腊式复兴”摄政时期「」。仿造希腊神庙爱奥尼亚式风格

像雷诺兹，深受皇家美术学院喜欢。不忘传统，宏图是赶上克劳德·洛兰风景画。

克劳道在于静穆安宁，梦境的清晰和具体，且脱离庸俗。特纳在于运动，壮丽炫目，

包含震撼力和戏剧效果。像舞台监控。

旋转构图塑造一个跟狂风怒涛搏斗印象。浪漫主义。特纳画中自然反应表现人的感

觉得特纳的赶超艺术传统有害无益。画自己所见而不是他人所见。只追求真实性。康斯特布尔鄙视一切定型画，无意骇人听闻，忠于自己视觉。

速写比完工作更为大胆，超前思想，公众不承认瞬间印象是艺术。

24年展出巴黎出名。克制简朴，不加深自然给人印象，不造作虚饰。

8. 19世纪（近代）

达维德的学生 。喜欢古典时期英雄式艺术。坚持精确训练，鄙视即兴创作和凌乱无序。技术造诣极高，当时一部分人不能忍受他圆熟的完美性

革命者。不愿变成狂热反叛者，只是不能接受学院派的标准。相信绘画中色彩比素描重要，想象力比知识重要。安格尔画派培养高贵风格，赞赏普森拉斐尔；德拉克洛瓦喜欢威尼斯画派和鲁本斯。没有清晰轮廓，没有仔细区分暗色调层次的人体，构图不讲究姿态和克制 。只要求体验一个惊心动魄的时刻。

19世纪英国美国城市大扩展，无风格时代，不同功能的建筑使用不同的风格。英国认定国民自由有赖于中世纪成就，选择哥特式风格。巴里决定建筑的整体形状和组合，帕金森负责装饰立面和内部。保留一些高贵和浪漫主义气息。

《卷帘红梅图》，喜多川歌糜（), 1790年代，日本，木板油画.

《透过水槽架看到的富士山》，葛饰北斋（), 1835年，日本，木板油画，取自《富岳百景》.

19世纪中期日本商品进入欧洲市场，印象派发现了他们。察觉到自己身上保留的欧洲程式，把富士山画成偶然从架子后面看到的景象。让印象派发现：为什么一幅画非要把场面中每个形象的整体和相关部分都表现出来？

在对立描绘自然方式之间架起一座桥梁。关注不是细节。而是母题总体形式和色调，传达南方夏日火热和宁静。寻找清晰和平衡。画中充满闪耀的光线和空气。在银灰色基调内作画，不仅没有淹没颜色，反而保持颜色和谐。

英国画家和巴比松画派与库尔贝走向另一条路。认为艺术被学院派和拉斐尔误入歧途，把自然理想化及牺牲真实性去追求美正是被拉斐尔和追随者抬高身价。提倡返回“信仰时代”。罗塞蒂想复兴中世纪艺匠精神，力求单纯真诚，人们觉得“前拉斐尔派”兄弟会树立了无法达到的目标。赞美与践行的距离。法国人却是在探索可见世界方面取得进展。

1855,巴黎棚屋举办个人画展——“现实主义-G.库尔贝画展“，为这场运动命名。”现实主义“成为一场艺术革命标志。不以任何人为师，仅仅以自然为师。性格方案相似卡拉瓦乔。追求真实。库尔贝用自己的画抗议公认的程式，艺术真诚具有重大意义。鼓励后人蔑视程式，凭良心办事。

新革命涉及支配题材程式。1848年革命期间，艺术家聚集巴比松，遵循康斯特布尔用新鲜眼光看自然，米勒决意把这种方案从风景画扩展到人物画。画出现实一样的农民生活，米勒全力强调他们宽阔结实的体格和不慌不忙的动作。比学院派更自然，更真实的气派。

德拉克洛瓦第一次高潮，库尔贝第二个，马奈第三个。画派发现传统手法只是一种手段。与真实世界观察差别很大。色彩革命媲美希腊人的形式表现革命。发现颜色实际是我们头脑里调合在一起的颜色形成的混合色。乔尔乔内，提香—委拉斯开兹—戈雅。

受戈雅影像，探究户外强光和隐没室内暗影之剑的对比。引向深入。

《隆香赛马》，马内，1865年，石版画。

混乱涂抹，暗示一些形状，感受光线速度运动。一瞬间把我们带进艺术家目击现场。

莫奈主张“不面对母题就不动画笔”，马内拜访他，确信方法对头，画下莫奈户外画室

和马内参加过1863“落选者沙龙”画展，对日本版画满腔热情。严格角度，与德加罗丹都不属于印象主义。不关心光线色彩，而是构图。但是都鄙视公众对于富于感情趣闻怀有兴趣。论点：不关注绘画题材，而是把题材转化为色彩和形状的方式。

《灰色与黑色的布局：画家母亲的肖像》，惠斯勒，1871年，画布油画，Musee

避免流露“文学”趣味和多愁善感。实际追求的形状色彩与情调毫无抵触，反而由于细

心平衡 形状，赋予画面悠闲的性质，灰色与黑色柔和色调加强画面温顺和孤独感。

《蓝色和银色的夜曲：老巴特西桥》，惠斯勒，年，画布油画，Tate

1877年展出，日本手法。批评家拉斯金批评，展现出公众和艺术家在观点上的鸿

沟。 双方都对周围丑恶和杭脏不满，拉斯金希望唤起同胞道德感，对美有高的觉

悟。而惠 斯勒。成了“唯美主义运动”一位领袖，证明艺术家的敏感是人世间唯一值得

画面斯特恩与华托二者兼得。 既能欣赏欢乐人群，也陶醉于节日。“速写化”。印象派发现渐隐法在阳光和露天并不存在，进一步把轮廓弄的模糊不清。

日常生活场面的世纪印象，莫奈神往混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。平衡画面的调子和色彩，深思熟虑。

与马内同代，与印象派保持一定距离。对设计和素描法有强烈兴趣。用印象主义观察风景的冷漠，客观的态度观察人物。看重明暗在人体上的相互作用，看重他可以用来表现运动或空间的方式。向学院派证明，新原理不是和素描法势不两立，提出高明的解决方案。

《亨利·德加和他的侄女露西》，德加，1876年，画布油画，The Art Institue of

想画出空间感，从最意外的角度看立体形状印象。

喜欢在芭蕾剧院看富有变化的躯体，画里没有故事。

雕塑加入“现代主义”。研究古典雕像。被批评家争吵，归于印象主义造反者。

不重视外形的完成，喜欢把东西留给观者想象。

公众认为懒惰或古怪。如同对待丁托列托。还是认为艺术的完美性意味着精洁洗练。

表现对圣神行为的想象，蔑视小气程式。

19世纪末青年艺术家对19世纪绘画不满意不舒服。“现代艺术”源于这种感觉。年轻参加过印象主义画展，后归隐故乡普罗旺斯埃克斯小城。毕生精力解决提出艺术问题。早期“依据自然画出普森”。认为学院式方式是违反自然的，赞赏印象主义在色彩造型的发现，支持画看见的形状和色彩，不画知道的和学到的。主张，使用印象主义者新发现，也重视画面秩序感和必然感。认为：印象主义光辉夺目但凌乱不堪。“现代艺术之父”。

《从贝尔维所见的圣维克托山》，塞尚，1885年，画布油画，Barnes Foundation,

清晰图案，又有巨大深度和距离。笔触安排和线条一致。

《普罗旺斯的山峦》，塞尚，年，画布油画，National Gallery ,

有意强调前景岩石坚固的实体形状，消除上半部分平面图案的扁平效果。

一心注意简单轮廓分明的形状，让画面平稳沉静。

决心从涂鸦开始忘掉绘画规则。对平衡设计感兴趣。对透视法不看重，有碍工作就丢

掉。不像马萨乔制造空间错觉，目的表现坚实感和深度感。

当作公式分析。研究色彩视觉的科学理论，用非松散色（unbroken colour),规则小点像镶嵌画一样组成他的绘画。指望如此能使色彩在眼睛里（头脑里）混合，不是去强度明度。“点彩法”。

1888离开巴黎前往南法。在英国比利时做过传教士，受米勒艺术感染，决定画画。收到弟弟一直支持，前往阿尔勒。希望让他的画有着日本彩色版画那种直接强烈的效果，创造一种纯真的艺术，不仅吸引富有的鉴赏家，还要能给所有人快乐和安慰。从印象主义和修拉点彩法吸取教益。使用的笔触传达他自己的激情，表达出梵高一些心理状态。不关心正确表现方法，用色彩和形状表达自己对画之物的感觉和希望别人产生的感觉。与塞尚都抛弃“模仿自然”的绘画目标。

用画笔涂色，还能勾线，还能像作家强调词语一样，把色彩涂厚。第一个发现断株残

茬，灌木树篱和庄稼地之美，发现多节橄榄树枝，丝柏形状之美的画家。

《圣玛丽的拉梅尔风光》，梵高，1888年，笔印度墨和纸，Sammlung Oskar

狂热的绘画冲动要画光芒四射的太阳。

《艺术家在阿尔勒的寓所》，梵高，1889年，画布油画，Musee d’Orasy, Paris。

画简陋平静常见的东西。

《在大使饭店的歌唱家阿里斯蒂德·步律昂》，图卢兹-劳特累克（Henri de Toulouse-Lautrec ,), 1892年，法国，石板招贴画.

德加的追随者。欧洲从日本学来的方法适合广告艺术。

布鲁塞尔保罗-埃米尔·让松街的他塞尔大厦，霍尔塔（Victor Horta , )，1893年，新艺术建筑，比利时。

19世纪末期建筑发展成一套无意义的常规。拉斯金和莫里斯改革工艺美术，举行“新艺术”运动，学习东方。霍尔塔学习日本艺术，放弃对称构图，使用东方弧线，放入铁结构。布鲁内塞斯基以后，第一次给欧洲建筑者提出新风格。

《王尔德〈莎乐美〉插图》，比亚兹莱（Aubrey Beardsley ,), 1894年，巴黎，日本牍皮纸。

从惠斯勒和日本版画汲取灵感，创作黑白插图风靡欧洲。

并不谦卑和使命感。1888被梵高说服在阿尔勒合伙。做过证券经纪人。和梵高不和离开阿尔勒，到了南太平洋大溪地岛，发现艺术处于华而不实的危险之中，知识剥夺了人的最高天资—感情力量和强度和直接表现感情的方式。时代艺术家意识到风格后，就讨厌单纯技巧，感觉传统程式不可信，渴望发现艺术中不可学会的诀窍，其不仅属于风格也与人性相关。

保持“野蛮”，正确表现自然之子。试图进入土著的精神境界。

印象主义运动最年长，讲究方法的斗士——毕沙罗。 印象派实际感受——把画家的实际感受传达给观众。

新的问题：要求运用色调层次暗示深度感跟希望保留我们所见到的美丽色彩之间的冲突。此画避免对透视与深度的强调，以便让我们欣赏一幅色彩的图案。

简化的手法更为大胆，获得招贴画般的清晰效果。

一直在想如今是否叫《西方建筑雕塑及绘画艺术的故事》更妥当？整理和复读时需要不停提醒自己老贡是以一名20世纪奥地利或英国人的视角进行的阐述，也就意味着对于20世纪的西方艺术，老贡“身在其中”，给出的命题是“实验性”，撇去文中提及的艺术是时代的反应的认可，作者本人对于多元化实验性的后现代及当代艺术也是在于罗列与反思，而更多的是给出一种开放的有可能性变化的态度。而总结该篇文章的目的主要在于一方面就当重读与梳理一本好书，另一方面里面出现的艺术品都标注了地点，这个诱

要点：所知与所见，立体性与图案性，循序渐进

艺术在历史至今的提纯中愈发清晰，如今更像是一种观念与行为的描述，而不是特指某种职业或形式。

“实际上根本没有艺术这回事，只有艺术家，他们是些男男女女，具有惊人天赋，善于平衡形状和色彩以达到“合适”效果。更稀罕的是具有正直性格的人，他们不肯在半途止步，时刻准备放弃所有唾手可得的效果，放弃所有表面的成功，去踏踏实实地经历工作中的辛苦和痛苦“

<没有结尾的故事：现代主义的胜利>

3.古典时代（希腊，前700-0）

4.罗马时代早期 （1-4世纪）

5.中世纪(5世纪-14世纪）

1）罗马晚期(东罗马）和至帝国奔溃后时期 （5-13世纪）

2）文艺复兴前夕（14世纪）

6.文艺复兴时期-启蒙运动(15世纪-18世纪）

1）文艺复兴前期，意大利与北方（15世纪）

2）文艺复兴盛期及身后一代（16世纪）

3）天主教与新教分开的欧洲，宗教改革（17世纪前中期）

4）启蒙运动时代（17世纪后期-18世纪）

7.法国大革命时期 (18世纪晚期-19世纪初期）

原始人对实物与图像认识区别不大。

艺术不是技术熟练程度发展史，而是观念和要求的发展，不同时代有着不同材质的表达

《死神头像》：玛雅人祭坛上的石头，发现于洪都拉斯的科潘，Museum of Mankind,London.

《伊努伊特的舞蹈面具》：出自阿拉斯加，Berlin

《阿兹特克的雨神-特拉劳克》，Berlin

原始艺术品大多为协调的造型+赋予人的感情与观念

《吉萨金字塔》：前2613-前2563年。

希腊学习埃及，欧洲是希腊弟子；几何形式的规整和对自然的观察为埃及艺术特点。

《有豺头的死神阿努比斯正监督称量死者的心脏，有灵鸟头的神使在右边记录结果》：前1285年，出

埃及制图关注是否完整，像是画地图而不是作画；立足于知识而不是观看。注重秩序感。稳定，质朴，和谐。三千年来埃及艺术几乎未变。

《图坦卡门和妻子》：前1330年，出自金和着色的木头图坦卡门墓室的宝座，Egyptian Museum, Cairo.

阿克那顿推行唯一神安顿，与其继任者图坦卡门推行新风格。

克里特岛推崇运动感与流动线条。与埃及开始相互影响 。

《那拉姆幸王纪念碑》：前2270，发现于苏萨，Louvre,Paris.

苏美尔（两河，美索不达米亚）文明爱好对称和精确,信仰不同于埃及，灵魂不需要通过尸体肖像保存，早期就习惯竖碑记录与纪念。

《亚述军队围攻要塞》：前883-859年，局部，雪花石膏浮雕，出自尼姆鲁德的阿苏尔纳其拉普利王宫 British Museum , London.

亚述王朝表现方式与埃及类似，但不那么刻板和整齐，鼓吹与宣传的艺术。

3.古典时代（希腊，前700-0）：

早期海盗起家克里特岛文明被新部落统治，风格由运动明快转向几何，严肃。

希腊雕刻家师承埃及/亚述，该作表明早期学习样板并不再用知识而是观察开始自己路线。

希腊早期在容器上图画，看出埃及方法，开始使用短缩法（埃及亚述从未出现），着眼于看物体的角度。

《雅典卫城帕特农神庙》，伊克底努：前447-前432年，多立安式神庙。

《帕特农神庙的雅典娜像》：前447-前432年，罗马时代大理石模品，原作为菲迪亚斯用木头，黄金和

帕特农没有不必要装饰，渐细的圆柱，前480年波斯战后，伯利克里安排伊克底努负责神庙，神像装饰交给菲迪亚斯（雅典娜和奥林匹斯宙斯雕像）。装饰沿袭埃及布局，以及早期几何图案布局。

在循规蹈矩和寓变化于规矩中达到平衡。规则不再是桎梏而是工具与助力。

米龙的作品主要还是改造古老的艺术手法，请模特观察改造，无关乎最真实的动作。

苏格拉底提倡“心灵的活动”，从姿势中观察出人的内在感情。

2.希腊化时代（亚历山大之后）前3-0世纪

《雅典卫城的厄瑞克特神庙》：前420-前405年，爱奥尼亚式神庙。

《胜利女神》：前408年，出自雅典胜利女神庙栏杆浮雕，大理石，Acropolis Museum, Athens

爱奥尼亚建筑圆柱细长，卷涡纹。优雅轻松。艺术家掌握动态表现和短缩法，自豪。

波拉克西特列斯：《赫耳墨斯和小狄俄尼索斯》，前340年，大理石仿制品原作青铜，Archaeological

古代艺术教诲。通过知识。类型化形象和个别化形象取得新的平衡。

古老图式要求身体的每一部分都采用最能显示部位特征的形象。前5世纪不表现强烈感情。

前4世纪学会心理活动和面孔的权衡。眉毛上扬，表情生动。

《科斯林柱头》：前300年，出自雅典胜利女神庙栏杆浮雕，大理石，Acropolis Museum, Athens

亚历山大帝国使得希腊成为地中海语言，希腊美学在东方变为柯林斯风格。爱奥尼亚卷涡纹增加叶饰，

追求强烈喜剧效果。为了动人。艺术家为了技术而技术，减少法术宗教联系。

艺术地位提升。表情技术熟练。知识与观察一样重要。每种风格都可能达到艺术完美境界。

4.罗马时代早期 （1-4世纪）：

《罗马圆形大剧场》，约公元80年，Rome.

底层多立安，第二层爱奥尼亚，三四是科林斯式半柱。罗马的土木工程。

《泰比里厄斯凯旋门》，奥朗日，法国南部，约公元14-37年。

罗马拱（ARCH）的使用。从希腊建筑取其所好。

制像沿袭希腊真实不美化。设法逼真不平凡。

《罗马的图拉真纪功柱》，约公元114年。

宣传战功，罗马人讲究实际的民族。

《男子肖像》，约公元100年，发现于埃及哈瓦拉的木乃伊，画于热蜡，British Museum , London.

希腊罗马化艺术取代东方艺术（中东地区），埃及画像不用埃及风格。

《乔达摩（佛陀）出家》，约公元2世纪，发现于巴基斯坦的洛里延坦盖（古代的犍陀罗），大理石，Indian Museum , Calcutta.

《佛陀头像》，公元4-5世纪，发现于阿富汗的哈达（古代的犍陀罗），石灰岩，有施色痕迹，Victoria and Albert Museum, London.

犍陀罗地区首先盛行雕刻艺术。 亚历山大时期将希腊雕刻术带到印度。

《基督和圣彼得，圣保罗》，约公元389年，尤尼乌斯-巴苏斯大理石石棺，Crypt of St Peter’s, Rome.

解释圣经意义。不能太像，犹太法禁止偶像崇拜，不关注动人，关注简单清楚的思想。基督教的兴起，古代世界的终结。

5.中世纪(5世纪-14世纪）

1.罗马晚期(东罗马）和至帝国奔溃后时期 （5-13世纪）：

《拉维纳克拉赛的圣阿波利奈尓教堂》，约公元530年，基督教初期的巴西利卡式教堂。

扶正后的基督教没用古圣庙，采用“皇宫”结构。

6世纪西罗马拉丁格里高利教皇主张图像，一切清楚表达思想-原始。中世纪原始手法和精细手法的混合。吸收希腊艺术。

《亚堔主教堂》，公元805年奉献建造。

《北安普顿郡厄尔斯巴顿的万圣教堂》，约1000年，一座模仿木造建筑结构的萨克逊塔楼

欧洲不停被北方条顿部落侵略，维京人擅长精细金属品，相对原始。将北方传统融入基督教艺术。北方传统艺术家技术手法都很完备。古典与本地抵触后促进新方法。古典艺术成就没有失传。

光显造型衣服的褶皱，最好的古典样式。

《圣马太像》，公元830年，选自福音书写本，可能画于兰斯，Epernay。

线条受北方饰带线条影响，表达敬畏和激动的心情。中世纪画家知道画他们感觉到的东西。

《基督为使徒洗足》，公元1000年，选自奥托三世的《福音书》 ，可能画于亚堔，Bayerische

关心圣神要义。继承希腊“心灵活动”的遗产。

《堕落后的亚当和夏娃》，公元1015年，希尔德斯海姆主教堂青铜大门上的浮雕。

撇除和表达观念不需要的东西。

《贝叶花毯》，公元1080年，英王哈罗德向诺曼底的威廉公爵宣誓效忠，然后贵航英格兰，Musee de la Tapisserie, Bayeux.

中世纪艺术不仅仅为宗教服务还有君主贵族。没有样板可效仿记事。难忘。

《阿尔萨斯的穆尔巴哈的本尼狄克会教堂》，公元1160年，罗马式教堂。

欧洲大陆称罗马式，英国称诺曼底式，装饰少像堡垒，尖塔。

与建筑宏伟气势呼应。元素回想黑暗时期。

《达勒姆主教堂的中殿和西翼正面》，公元年，诺曼底式主教堂。

恢复罗马制拱术。巴西利卡教堂木结构缺乏尊严，易失火。“肋式拱顶”。

12世纪十字军东征。拜占庭影响。西欧艺术家模仿赶超拜占庭。伸出右手姿势中世纪表示讲话手势。不注重自然外形。

装饰性平面安排人物形状。构图：composition, 放在一起。单纯的再现，新的自由，实验构图。

脱离自然使用色彩，超自然理念。

《阿尔勒的圣特罗菲米教堂的正面》，公元1180年。

开始用传教的装饰元素。凯旋门类似。

沙特尔主教堂北侧翼廊的大门，公元1194年。

麦基洗德，亚伯拉罕和摩西，1194年，沙特尔主教堂大门局部。

嵌入建筑框架。新精神对待，不仅象征神圣庄严。每个独立的尊严。

《比利时的图尔内主教堂》，公元年，中世纪城市的教堂。

异教转变地区展示战斗姿态-对抗黑暗。

巴黎圣母院，公元年，可以看出十字形和飞扶剁的鸟瞰图

哥特教堂：支架立柱和肋，类似温室，石头玻璃，尖塔，立面清晰明快。

亚眠主教堂的中殿，罗贝尔·德·吕扎什，约年，哥特式教堂内部

展示胆量，内部感受推力与拉力的作用。

巴黎圣徒小教堂，公元1248年，哥特式教堂窗户

花饰窗格：窗户交织线条。

斯特拉斯堡主教堂南侧翼廊的大门，约1230年。

圣母安息，斯特拉斯堡局部。

新颖意图手法。不同中世纪早期空虚造型。学习古罗马衣饰覆体。不只要表现什么，还有怎样表现。自然中学习使形象更加真实可信。使故事更感动信服。

东罗马帝国图像神圣化，遵循规则传统，保留希腊艺术观念成就。东方艺术宏伟庄严。影响俄罗斯。

埃克哈特和乌塔，约1260年，取自瑙姆堡主教堂唱诗班西的创建者群像。

给石头灌注生命。创建者造像。

尼古拉·皮萨诺：《圣母领报，基督诞生和牧羊人》，1260年，比萨西礼堂布道坛的大理石浮雕。

13世纪意大利和拜占庭密切，瞄准君士坦丁堡而不是巴黎，拜占庭坚实基础，顺应了后期北方艺术趋于真实。

人体知识增长，超越细密画。主要表现情感和规则构图。

13世纪写生因为没有程式化图样。忽视问题因为无关大局。

2.文艺复兴前夕（14世纪）：

拜占庭艺术由于保留希腊成就，使得意大利人跳过分割雕刻绘画障碍。方法-拜占庭，目标观点-北方雕刻家。

圆雕感，明暗，短缩法，褶皱。平面创造深度。

感到亲眼看到事实事件。不要完全表现，选择当时场面。艺术家地位开始上升，艺术家

威尼斯总督宫, 1309年开始兴建。

威尼斯繁荣强大极点。哥特风后期喜欢装饰花窗，任可以达到壮丽效果。

中世纪艺术家画教师典型姿势。下页日常生活。注意现实和主图不符。14世纪叙述和真实观察结合。意大利影响。

《圣母领报》, 西莫内·马丁尼和利波·梅米，1333年,西耶那主教堂祭坛画一部分，木板蛋胶画，

花瓶真实性，和人物的空间感。比较中世纪，人物布局和真实性得到发展。

圣母和圣婴, ,埃夫勒的若昂于1339年奉献，镀金白银，珐琅和贵重宝石，高69cm，Louvre,Paris。

唤起热爱感情。兢兢业业组织。

法国是当时欧洲中心，真实的雕像。所知第一个真正的艺术家子雕像。

意大利和法国艺术传播欧洲（波西米亚），交流引起：国际式风格；供养人。短缩法，写生的花朵。

埃克塞特主教堂西翼正面, 年,盛饰式风格。

14世纪趋向风雅不是宏伟。早起纯哥特风格，早期英国式，后期盛饰式。喜欢在装饰和窗格。

《五月》，林堡兄弟，1410年，取自为贝里公爵所画的时祷书，Musee Conde,

无法表现活动空间，真实感来自于细节。宗教故事转为自然一角。会写生。

《猴子》，皮萨内洛，1430年，取自一本速写簿银针画于纸上，Louvre,Paris。

新规矩形成，描绘自然，画入细节，艺术家开始探索视觉法则，像希腊人构成雕塑。

人们兴趣发生转移，中世纪艺术结束-文艺复兴到来。

6.文艺复兴时期-启蒙运动(15世纪-18世纪）

1.文艺复兴前期，意大利与北方（15世纪）：

阿尔卑斯山以北。不再庄严生硬。真实感。

熟悉哥特起拱技术。在罗马丈量古迹。发明透视法。

弗洛伦萨主教堂的圆顶，布鲁内莱斯基，年。

宏伟即罗马。圆柱，三角额墙。

帕齐小教堂，布鲁内莱斯基，弗洛伦萨，1430年，文艺复兴初期教堂。

《三位一体以及圣母圣约翰和供养人》，年，湿壁画，Church of Sta

没有精巧，壮大凝重。透视框架构图，雕塑性，不像乔托，注重个人情感。

最忠实描绘。相对南方科学的细节增加，真实的错觉。尼德兰：花朵珠宝美丽外观；意大利：鲜明轮廓线，清晰透视法，躯体准确性。发明油画。

折页。庆典打开，鲜艳。平时合拢，朴素。亚当夏娃忠实描绘。

《阿尔诺菲尼的订婚式》杨·凡·艾克，1434年，木板油画。

证婚人。第一次真正的目击者。

决裂。系统研究罗马遗物。渴望艺术复兴，求助自然科学与古代的遗物。 终于自然。

不再漠然安详，生气勃勃。用自然取代精致。研究人体。

希律王的宴会，多纳太罗，年，洗礼堂的洗礼盘浮雕， Siena Cathedral.

西耶那。无意整体怡人，表现一瞬间乱。故意粗糙生硬。

欧洲各地在追求真实性，用身边的场景。日内瓦湖，塞利为山。感动。

调和新成就和旧传统清晰克制。喜欢让主要人物清楚。任忠于哥特艺术。

基督受洗，吉伯尔蒂，1427，青铜镀金，洗礼堂的洗礼盘浮雕，Siena Cathedral.

布局沿袭传统，保留真实。一点点景深暗示，突出在浅浅的背景。

《卸下圣体》，罗吉尔·凡·德尔·韦登，1435年，祭坛画；木板油画，Prado, Madrid.

1450年去过罗马。构图得到提升。把哥特风格更为逼真。调和艺术满足和宗教要求。

用马萨乔新方法表达宗教艺术传统观念。多明我会。谦抑，不炫耀。

透视技法。主要意图不在于炫技，在于传达宗教观念。

就像北方的安杰利克学习马萨乔一般学习凡艾克。抓住了纯真和童心。看起来比中世纪易理解，不过仍是过去艺匠的精神。

剑桥国王学院的礼拜堂（175），1446年，垂直式风格。

晚期哥特风开始倾向简洁。取消侧廊立柱尖拱。像高耸大厅不像教堂。15世纪北方仍忠于传统，凡艾克发明基于习俗程式，无关科学。仍然是中世纪艺术。

《法兰西国王查理七世的司库官艾蒂安纳·写瓦利埃和圣司提反》，让·富凯，1450年，祭坛组画之一，木板油画，Gemaldegalerie, Staatliche Museen, Berlin.

北方与意大利有往来。让富凯到访过罗马。让富凯加入了色调明暗。对物体质地外观感兴趣得益于北方传统。

15世纪艺术反映现实世界。行会确立。绘画学校是师徒制。把哥特式翻译为古典形式。哥特形式与现代形式相互协调。

曼图亚的圣安德烈亚教堂，而尔贝蒂，1460年，文艺复兴时期教堂。

立面成罗马式凯旋门。不适合普通住宅。

弗洛伦萨的鲁切莱府邸，阿尔贝蒂，1460年。

三层建筑。古典装饰立面。扁平壁柱构成网格。罗马大剧场。中和传统和古典。

与戈佐利趣味类似，国际风格，生活趣味，安排画面，喜欢再现生活。

研究透视。凡艾克的相对路线：透视技法构成真实舞台。

圣罗马诺之战，乌切洛，1450年，出自美第奇宫，木板油画， National Gallery,

欢乐画面。有点造作感-数学布局，像一个舞台没有加入光线明暗大气润饰。

公众喜欢两全其美。安杰利克学生，不同于师傅。快乐场面。被贡布里希称作二流艺匠。回到国际哥特式风格趣味。

处理光线，光线阴影营造气氛马萨乔最伟大继承者。

君士坦丁大帝决战前梦见天使，接受了基督教。一道光照亮。短缩法天使。

内心与外界同样关心。重现场景。研究场景。沿袭马萨乔，如同舞台监督。

圣詹姆斯在赴刑场的路上，曼泰尼亚，1455年，湿壁画已毁， Church of the

与同时代佐格里差别大，透视法创造舞台，人物好像立体活动。

《善良人在临终的床上》，1470年，木刻，乌尔姆镇印刷的《善终术》插图。

15世纪中叶德国发明印刷术。木刻早期。图画-书。

解决真实场景构图问题，但不是很成功。原先平面容易构图。

圣塞巴斯提安殉教，波拉尤洛，1475年，祭坛画，木板油画， National Gallery,

生硬。尝试找到解决构图的问题。清楚对称。

抑郁症。作品紧张严肃。尽力呈现真实场景，减少没有意义空白，需要意大利的科学思想了。

鲁昂法院（旧为宝库）的庭院，1482年，火焰式哥特风格。

15世纪北方艺术家沿袭老路。发展哥特风。哥特风最后的潜力，变化无穷的装饰，不考虑功能。

为了达到轮廓线优美改了自然形象，增强了设计上的美丽和谐感染力。解决透视中构图问题。

不是基督教传说。罗马古典神话。体态轻盈脖子长度不合理，肩膀不合理。画面优美和

《克拉科夫圣母教堂的祭坛》，法伊特·施托斯，年，木头着色。

德国纽伦堡。雕刻家继承罗吉尔传统。

马丁·舍恩高尔（Matin Schongauer), , 阿尔萨斯地区科尔马，铜板画家。

尼德兰精神，渴望展现细节。注重物体质地和外表。

《圣诞之夜》，舍恩高尔，年，铜板画

基督教传统题材。保持构图平衡。对角线交叉点是圣母头部，即画面中心。

2.文艺复兴盛期及身后一代（16世纪）：

达芬奇师傅。多纳泰罗传统继承者。

解剖精细，清楚轮廓，给骑士和坐骑灌注活力。

米开朗琪罗的师傅。15后期重要艺术家。展示当时生活。

展示上流社会贵妇拜会。主题切合时代喜爱古代艺术。图像加入浮雕。

乔尔乔内和提香的师傅。威尼斯画家比其他地区画家对于颜色更深思熟虑，精细入微。弗洛伦萨更对素描设计感兴趣。威尼斯画家把色彩也是主体。色彩光线统一画面。

《圣母和圣徒》，乔瓦尼·贝利尼，1505年，祭坛画，木板油画，Church of

色彩柔和富丽。布局和秩序。人物变成活生生人而不剥夺神性和尊严。

16世纪艺术家地位上升，艺匠变为赏脸君主宗教。热情拥护新风格。受教皇尤里乌斯2世委托新圣彼得教堂。

罗马的蒙托里奥的圣彼得教堂院内的小神庙，布拉曼特，1502年，文艺复兴盛期的礼

圣彼得教堂没有建完，参见纪念章图案，奇迹建造奢靡加速宗教改革，赎罪券。

拉斐尔老师。温布利呀派领袖。真诚可爱手法。学会渐隐法，保持景深不破坏平衡。

《圣母出现在圣贝尔纳面前》，佩鲁吉诺，年，祭坛画木板油画，Alte

布局简朴，安详轻松，牺牲自然写照。追求标准美。

乔尔乔内（Giorgione), ，威尼斯，画家。

低调。运用色彩。绘画融入色调色彩光线。

画面由于光和空气融为整体。风景本身成为题材。不勾画物体，想象为整体。

莱奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci), , 弗洛伦萨，艺术家，画家，博物学家，工程师。

文艺复兴三杰之一。佛罗伦萨工匠出生艺术家，不是专门培养的学者。不依赖权威，通过实验解决。好奇心，解剖尸体，孩子子宫发育，水波和水流规律，观察鸟类昆虫飞翔，建造飞行器，岩石云彩形状，大气对物体颜色的影响。关注艺术家地位。自我决定作品完成时间。

不需要牺牲素描正确性，达到构图协调。现实的一角，真实性。人物与故事性的统一。

给观众留下猜想的余地。轮廓不那么清晰。渐隐法。背景不同地平线。根据视点改变

阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Durer), ，德国，画家，版画家。

理解新的艺术原则并结合自身。早期金匠儿子师从纽伦堡插图画工坊艺匠米歇尔·沃尔格穆特。后流动工匠，研究过舍恩高尔，曼泰尼亚。早期作品表达宗教的普遍不满。绘画像凡艾克力求自然忠实，增加细节。发现一味追求自然产生不了南方的美感。设立理想美，奠定新的艺术准则。注重艺术家地位。

《圣米迦勒大战恶龙》，丢勒，1498年，木刻。

当时正值路德宗教改革前夕。抛弃传统英雄轻松姿势，真实费力。

哥特风格的真正继承人。忠实反映自然。增加细节。奠定真实景象基础。

《耶稣诞生图》，丢勒，1504年，铜版画。

宁静的田园气氛，描写自然集大成。后转向意大利新艺术目标。

《亚当和夏娃》，丢勒，1504年，铜版画。

体现丢勒对美与和谐新观念。还不那么成熟。南方理想移植北方第一次尝试。

马丁路德的朋友。诗意构思。关注美丽的环境。

《天堂与地狱》，希罗尼穆斯·博施，约1510年，三连画的左右两翼；木板油画，Prado, Madrid.

这个时期伟大的尼德兰艺术家多是不肯拖入南方新艺术运动的艺术家。成功把人们心中的恐惧转化可感知具体形象。虚拟视觉模拟。

《圣路加画圣母》，马布斯（），尼德兰，1515年，三连画的左右两翼；木板油画，Narodni Galerie, Prague.

16世纪初尼德兰艺术家大部分忠于旧法，热爱新方法让二者兼得。显示新掌握的透视法，古典建筑，明暗技术。缺少了两方各自的单纯和谐。

名字不确定。丢勒是革新家，他是坚持自己风格。艺术目标：用图画布道。

《磔刑图》，格吕内瓦尔德，1515年，伊森海姆祭坛组画之一，木板油画，Musee

一切以传道为目的秉承中世纪原则，牺牲悦目美，不管比例。有助传道。伟大而不先

《基督复活》，格吕内外尔德，1515年，伊森海姆祭坛组画之一，木板油画，Musee

效果依赖色彩。士兵过分丑化来表达震惊程度，像刚翻倒的木偶。

文艺复兴三杰之二。在吉兰达约做过三年学徒。与师傅不同理念。研究人体解剖，彻底理解人体。尤里乌斯二世邀请修建陵墓与圣约翰冲突。独自完成西斯廷壁画。

西斯廷礼拜堂天顶画，米开朗琪罗，年，湿壁画，Vatican。

独自4年完成。单纯和谐。可以任何姿势角度展示人体。创造亚当最著名。

为西斯廷礼拜堂天顶画中的女预言家所作的草图，米开朗琪罗，1510年，红粉笔，浅

速写。观察肌肉相互作用。

《垂死的奴隶》，米开朗琪罗，1513年，大理石，Louvre, Paris。

生命正在消逝支配。奋斗得到最终松弛和解脱临终。

文艺复新三杰之三。性格温和。成功塑造圣母形象-就像米开朗琪罗的圣父。老一辈人的目标：用完美而和谐的构图表现自由运动的人物形象。不再忠实自然，使用想象的标准美。

成功塑造圣母形象。得益于佩鲁吉诺平静美。丝毫没有勉强矫饰。

灵感源自弗伦伦萨是人波利齐亚诺，也曾激发过维纳斯的诞生。人物与人物间相配合，

每一 个运动与一个反运动相呼应。不停运动遍及画面却不破坏构图。标准美。

《教皇莱奥十世和两位红衣主教》，拉斐尔，1518年，木板油画，Uffizi, Florence.

绘画期间，路德已经攻击修建新的圣彼得教堂筹集款项。 布拉特曼去世后拉斐尔接

手。性喜交际，37岁去世。

一直生活在帕尔马小镇。学会莱昂纳多处理明暗的方法。被誉为时间内“先进的”大胆革新家。

布局随意，用光突出圣母圣婴取得平衡，比提香更多用光引导人的视线。

控制光效。让人产生幻觉好像屋顶洞开。

《圣母升天（为帕尔马主教堂藻井画的草图》，克雷乔，粉笔，British Museum,

素描草图。克雷乔寥寥几道粉笔线暗示出耀眼光线，手法简洁。

提香（Titian), ，卡尔多-威尼斯，画家。

驾驭颜色的大师。无视构图规则用色彩衡量构图。推翻传统结构构图。

《圣母，圣徒和佩萨罗家族成员》，提香，年，祭坛画画布油画，Church

圣母不在中心。构图却欢快活泼和谐。用光空气色彩把场面统一起来。

《男子肖像，即所谓的“年轻的英国人”》，提香，年，画布油画，

同样的神秘生气。权贵相信他的艺术使人永生不灭。

《教皇保罗三世和亚历山大与奥塔维奥·法尔内塞兄弟》，提香，1546年，画布油画，

意欲比拉斐尔更为生动描绘人物。未完成提香就去给德国查理五世大帝画像。

丢勒的继承者。年轻掌握北方和意大利的技艺。

《圣母和供养人巴塞尔市长一家》，小霍尔拜因，1528年，祭坛画，木板油画，

当时最好的供养画，细节来看北方手艺。走向德语区一流大师。

《托马斯·莫尔爵士的儿媳安妮·克莱萨尔像》，小霍尔拜因，1528年，黑色和彩色铅

正值宗教改革，离开瑞士到英国，开始肖像画工作，不可以画圣母了。

《里查德·索斯韦尔爵士像》，小霍尔拜因，1536年，木板油画，Uffizi, Florence.

记录亨利八世男女。没有戏剧性，观看越久越能揭示被画者内心个性。不加毁誉。

《伦敦的德国商人格奥尔格·纪泽斯像》，小霍尔拜因，1532年，木板油画，

有时候的“浅显”是霍尔拜因的意图，年纪增大减少炫技。克制。

卡昂的圣彼得教堂的唱诗班席外观，皮埃尔·索西尔，年, 哥特式变体建筑。

布鲁日的旧公署，杨·沃洛特和克里斯蒂安·西科斯丹尼尔，年, 北方文艺复兴建筑。

意大利先进三要素：科学透视法，解剖学，古典建筑形式知识。15-16世纪，南学北渐，北方艺术家在哥特建筑基础上修改意大利元素。把不一致风格协调在一起。

威尼斯的圣马克图书馆，雅各布·桑索维诺（），1536年，文艺复兴盛期建筑。

威尼斯地位仅次于弗洛伦萨。和伊斯坦布尔关系密切。适应威尼斯的明亮光辉下层多立安柱式，上层罗马大剧场规则，爱奥尼亚柱式。

《长颈圣母》，帕尔米贾尼诺（Parmigianino，)，画家，，画家去世时左部未完成；木板油画，Uffizi,Florence.

克雷乔追随者之一。造型造作，拉大人物形体，牺牲大师确立的“自然“美，突破标准，加入想象，第一批”现代派“。

切利尼爱说大话吹嘘虚荣，捞虚荣，时代产物。时代：忙碌热切力求创造比前人作品更有趣，更不凡的东西。

法国接受了意大利艺术形式，精致优雅的手法主义。

维琴察附近的圆厅别墅，安德烈亚·帕拉迪奥（Andrea Palladio，)，建筑家，1550，意大利16世纪的别墅。

圆厅别墅。随想曲。四面相同围合中央大厅。不乐于居住但是美。外观新奇干扰了建筑的正常用途。

弗兰德斯未受宗教改革影响，擅长精细北方画派，诞生门类画。

认为艺术艺术家尊严很重要。展示骄傲的艺术家和愚蠢的戴眼镜男人。

取材下层生活表达思想。 门类画方向。表达农民。

创作者目的：实现不可能：克服无生命躯体重量产生飞跃之感。古典雕刻家认为效果不适合雕像，但创作者便要显示取得的效果。

厌烦提香形色之美。认为他缺少震撼人心的力量。圆润修饰工作对他提不起兴趣，他就不再加工。

独特动人心魄。故事：威尼斯建立起圣马可教堂把尸体从亚历山大搬回威尼斯。展示

神秘，丁托列托牺牲柔和色彩美，其本位威尼斯画派引以为豪的技法。

《圣乔治大战恶龙》，丁托列托，年，画布油画，National Gallery,

用奇异光线和松散色调加强气氛的紧张和激动。

罗马耶稣会教堂，贾科莫·德拉·波尔塔（Giacomo della Porta，)，建筑家，年，初期巴洛克教堂。

巴洛克（荒诞怪诞）一词是指反对讽刺17世纪艺术倾向的批评家用词。1575年建成时是一个极端革新作品。是当时天主教耶稣会对抗宗教改革的产物。立面想起凯旋门。双柱。四周向中央形成高潮。整体效果，融合，形成一个巨大复杂图案。加入卷窝纹，链接上下部分。孤立看起来妙明奇妙但都是达成意图的必要手段。

霍尔拜因留下的肖像画分支后来手法主义明显，宫廷气派。精致优美替代单纯风格。

罗马祖卡里宫的窗户，费代里科·祖卡罗（Federico Zuccaro，)，画家建筑家，1592年。

盛期大师标杆，后世模仿手法-手法主义。后人奋斗超越盛期大师，米开朗琪罗“随想曲”先例。青年作为许可证。

埃尔·格列柯（El Greco, )，希腊克里特岛，画家。

看惯家乡古代拜占庭手法。没有养成看画留心正确设计。观看丁托列托没有不适。定居西班牙，当时西班牙中世纪艺术还在，因此其在大胆蔑视自然形状形体，表现激动人心超过丁托列托。

《揭开启示的第五印》，埃尔·格列柯，年，画画布油画，Metropolitan

不平衡构图，拉长人物的手法用于新意图。源于西班牙当时没有鉴赏手法主义。没有

《霍尔腾西奥·费利克斯·帕拉维奇诺修士》，埃尔·格列柯，1609年，画布油画，

画室繁忙，作品不适同样出色。一代后认作形状色彩不自然。一战后现代派画家重新

《两个意大利丑角》，雅克·卡洛（Jacques Callot, )，约1622年，取自蚀刻组画《斯费沙尼亚之舞》中一副的局部。

结合手法主义和布吕格尔的精神，底层人物表现人类愚蠢，时代进入新议题。

3.天主教与新教分开的欧洲，宗教改革（17世纪前中期）：

卡拉奇：讨厌手法主义，克服手法主义矫饰，学习拉斐尔单纯美丽，“折中主义”在于后事的评判，但卡拉奇本人是个杰出艺术家。掩饰死亡的恐怖和痛苦，构图如初期和谐，但是布光戏剧性不同以前，巴洛克式。

卡拉瓦乔：不应害怕丑陋，需要真实，眼睛看到的真实。被说成“自然主义者”,去掉不必要的修饰，不画人们愿意看到的。

雷尼：卡拉奇画派，一度和拉斐尔齐名，有意扔掉低下丑恶或者不合适崇高观念的自然事物。拉斐尔的美感和宁静是他天性和艺术的自然流露，雷尼从原则出发才决定如此作画。受到当时境地和原则影响。

新古典派或学院派：卡拉奇，雷尼和追随者们制定出了按照古典雕像树立的标准去理想化，美化自然的方案。

1600年23岁在罗马，多学无派别。弗兰德斯艺术家关心色彩缤纷事物外观，不在意意大利的美的标准和高雅题材。鲁本斯基本信念属于弗兰德斯，同时赞赏意大利新艺术。1608回到安特卫普，学会意大利巨大画幅。

最大的艺术奥秘：可以用技巧使东西栩栩如生，热情快活起来。

《加冕的圣母与圣婴和圣徒》，鲁本斯，年，祭坛画速写，木板油画，

深刻理解汇总意大利前人经验，动作，光线，空间，人物。引导看画人视线。

《女孩头像》，鲁本斯，1616年，画布油画，裱贴于木板。Sammlungen des

迎面肖像。感受到肖像活人感。不再用色彩塑造素描，运用涂抹性手段，加强活力。

佩剑自画像。意识到自己独一无二的地位。但是目光没有自大虚浮。

《和平赐福的寓意》，鲁本斯，年，画布油画，

寓意画当时表达思想观念手段。鲁本斯不喜欢古典美理想型。喜欢活生生生动感。喜

爱喧闹形形色色的生活，表达内心喜爱，没有流于巴洛克装饰品。

鲁本斯的徒弟。技艺精湛。作品流露出无精打采和忧郁。1632当上了查理一世的宫廷画家，记录宫廷生活。

《英格兰国王查理一世》，凡·代克，1635年，画布油画，Loure, Paris.

表现君主永垂青史形象，社会的急切需求。

《斯图亚特家族中的约翰勋爵和伯纳德勋爵》，凡·代克，1638年，画布油画，

后期订单增大独力难支，助手通过假人画身体，他画头部，危险先例。更加善于把贵

族的高贵和绅士的潇洒形象化。

马德里菲利普四世宫廷画家。吸收卡拉瓦乔“自然主义”方案，表现对自然冷静观察。后期学会用我们想象追随他的引导，补足省略，19世纪巴黎印象主义赞赏委拉斯开兹胜过其他以往画家。

《塞利维亚的卖水人》，委拉斯开兹，年，画布油画，Wellington

棕色，灰色，微绿色调为主，整体和谐难忘，卡拉瓦乔式强烈性和观察。

《教皇英诺森特十世像》，委拉斯开兹，年，画布油画，

晚年画于罗马，掌握了提香手法，精通物质光泽和表情。笔法与色彩微妙和谐。

把国王夫妇愿望化为现实。本人入画。

《西班牙王子菲利普·普洛斯佩尔》，委拉斯开兹，1659年，画布油画，

原作颜色深度多样，冷色调银色调化入背景，小狗画法仅仅抓住小狗独特印象，反而

比杨凡 艾克小狗更自然毛绒。

普森：以罗马为第二故乡，研究古典雕像来表达心中淳朴高贵的昔日乐土。布局简单来自渊博的艺术知识，唤起恬静，安谧的怀旧景象。

洛兰：意大利化法国人，卡拉奇追随者，再现自然高手，理想美。打开人们眼界使人们看到自然之美。英国影响很大，人们按照画改造自然。

生活拮据。生平所知少。给人平衡感，但不显 露遵循什么规则。

《圣乔治军团的官员盛宴》，弗兰克·哈尔斯，1616年，画布油画，Frans

初期作品。 军团退役宴会。记录这么多人不简单，前人未成功。传达欢快场面气氛。

《皮特尔·凡·登·部勒克像》，弗兰斯·哈尔斯，1633年，画布油画，

17世纪投机商人，特定瞬间，固定在画布，乍看自然，出自深思熟虑。

新教荷兰应邀作画需求减少，只有肖像画，大多变成专业门类画画家，转为需要中间人面向公众。16世纪北方出现，17世纪走向极端门类画。用简单平实的手法表达海上的气氛，艺术史首先发现天空之美的人。

克劳德·罗兰同代人。主要本土风景，平凡宁静。门类画打开我们眼界看到平实之美。

《阿姆斯特丹的皇宫（前市政厅）》，雅各布·凡·卡姆彭，1648年，荷兰17世纪市政厅。

荷兰新教商人趣味与传统天主教不同，诚恳，勤勉，节俭，讨厌放纵的南部作风。17世纪中期荷兰繁荣顶峰，阿姆斯特丹市修建，仍然轮廓简单，装饰节俭。

出名的自画像，从时髦画家-孤独老年。破产悲剧与不屈不挠的意志的自传。富有农场主儿子-放弃学业当画家-25岁前往阿姆斯特丹成为肖像画家-结婚收藏古董-1642得到去世妻子遗产-负债-14年后情人儿子帮助-1669年生命结束没有留下任何财产。表现希腊人的“心灵的活动”。

棕色，灰色，微绿色调为主，整体和谐难忘，卡拉瓦乔式强烈性和观察。

赞助人与朋友像。哈尔斯是真实快感，伦勃朗表现整个人。概括一个人性格。

《冷酷仆人的寓言》，伦勃朗，1655年，芦柑笔纸墨水，Louvre, Paris.

进入圣经精神境界。三人之间的关系，寥寥几笔就表达出来了。

借用印度人土耳其人装束。心灵之眼。用色不鲜明，更有力和闪光对比。

《基督传道》，伦勃朗，1652年，蚀刻画。

同样是版画家。伦勃朗收到卡拉瓦乔启发。珍重真实与诚挚胜过和谐与图像美。构图

平衡，毫不藐视意大利艺术传统。

绘画反映的自然实际反映着画家的心境。静物画诞生，成了画家对专门问题进行实验的奇妙领域。专家们不知道逐渐证明题材远远不像人们想象的那么重要。17世纪艺术家们发现了可见世界的纯粹之美，最好荷兰专家们证明：题材是次要的。

生平作品少。实际是有人物的静物画。简单平实的画成为古往今来最伟大的杰作。他在表现物体的质地，色彩和形状上达到了煞费苦心的绝对精确，却平衡的很好没有费力刺目的地方。柔和与精确二者奇特无比结合。心画，即看心。

当时荷兰很多人遵循北方艺术传统，用快乐质朴画面表现人们现实生活。画家开一家客店挣钱，提供观察机会。把各种小事融合为一幅画的技艺。鲜明色彩温暖而柔和。

与斯特恩一般第二代画家。喜欢研究饱经风霜的树木的外表和阴影，如画的林景。善画幽淡云彩，暮光古堡和小溪，发现了北方风景的诗意。

4.启蒙运动时代（17世纪后期-18世纪）：

舞台化装饰最高代表。博罗米尼同代。

新颖，不落常套。贝尔尼尼运用刻画面部表情的技术，以具体可见的形式，传达了他

圣特雷莎是16世纪一个修女，自述天堂夺魂瞬间，痛苦与极乐。巴洛克艺术家目的：

激起强烈的喜悦和神秘的销魂之情。摒弃古典衣褶处理手法，让其缠绕回旋增加运动

《罗马纳沃纳广场的圣阿涅塞教堂》，弗朗切斯科·博罗米尼（Francesco Borromini, )，1653年，罗马盛期巴洛克式的教堂.

17世纪前期，意大利主攻装饰饰品，中期，巴洛克风格充分发展起来了。文艺复兴式形式。双重壁柱。巨大圆顶。一层正方形，二层圆形。两层间用古怪檐部链接。效果愉快。巴洛克卷涡纹充满装饰细节。舞台化戏剧化，使人感到欢愉。天主教借助艺术家为其服务，与新教反其道而行。

贝尔尼尼追随者。比克雷乔的天顶画更为舞台化。巴洛克风格发展起来后，所有艺术家通力合作，创造某种效果，而作为独立艺术的绘画和雕刻在天主教区衰微。

18世纪意大利艺术家主要装饰艺术和湿壁画。说的是马克安东尼设宴款待埃及女王佩特拉。

18世纪初，意大利风景画兴起。遵从华丽感，明亮感和色彩感。巴洛克风格。他发现，画家可以只画一部分，观众可以自己补足细节。画的远处的船只是几个简单色块构成，直指印象派。

法国，德国，奥地利，英国：

《凡尔赛宫》，路易·勒瓦和朱勒·阿杜安-芒赛尔， 年，巴洛克式宫殿，巴黎附近.

路易十四主导。巴洛克建筑，因为规模巨大而不是细节。1700年前后伟大建筑时期，当时所有艺术部门通力建成人造世界。天主教区城镇风景改造热潮。

伦敦圣斯蒂芬·沃尔布鲁克教堂内部，雷恩爵士, 1672年.

1700年，天主教地区巴洛克运动达到顶点。形式依照意大利文艺复兴。立面没有曲线没有运动意味，给人有力稳定感。不属于巴洛克风格。目标不是呈现另一个世界，让我们集中意念。

梅尔克修道院的教堂内部，普兰德陶尔，贝杜兹和孟根纳斯特, 1738年。

艺师从巴洛克画谱组织起来，形成高贵而不单调的外观。更奢侈的装饰细节使用在突出位置。古怪奇景。没有一件自然或是正常。预先领略天堂荣光。

维也纳观景楼的门厅和楼梯间，希尔德布兰特, 1724年，18世纪的铜版画。

德国博美斯菲尔登城堡的楼梯间，希尔德布兰特和丁岑霍夫尔, 年，巴洛克建筑。

建筑物形成一个复杂的图形，轮廓依然清晰。建筑内部是奇异装饰风格的全部效果。使用时正值社会贫富差距极大，内部和外部形成鲜明对比。

来自弗兰德斯，后定居巴黎。为贵族设计装饰，布置节庆。描绘远离一切苦难和琐事的生活景致。很多人认为华托开始反映18世纪初期洛可可趣味。近乎忧郁的景象。意识到美的稍纵即逝，带有伤感。

伦敦奇兹威克府邸，伯林顿勋爵和威廉·肯特（前者设计后者装饰), 1725年，帕拉迪奥式建筑。

威尔特郡斯托海德园林，1741年，洛兰式园林。

英国18世纪完美典型不在城堡在乡间宅邸。追求“高雅趣味”，找到了古典建筑法则。18世纪帕拉迪奥在英国被认为建筑趣味的权威。墙壁简单朴素，没有曲线和卷涡纹，没有雕像没有怪诞装饰。实际是理性思想规则。国民倾向是反对巴洛克设计的放纵幻想，反对立意支配情感的艺术。园林认为凡尔赛风格不合理不自然，反映自然美，标准源自于 克劳德·洛兰的画。

伯林顿勋爵时代，时髦绅士并不反对绘画雕刻，不给本地艺术家，倾向海外艺术家。当代艺术在英国没有市场，创作迎合同胞口味的新绘画。宣传布道画。构图，描写技法依然一流。

巴洛克18世纪初在法国已过时，洛可可到来。英国贵族梦境也退却，关注普通人民生活。夏尔丹善于体会家庭场面中诗意，不追求惊人效果及明显暗示，类似维米尔。色彩克制。

贺加斯后一代。迎合18世纪英国文雅口味。去过意大利把大师认作不可企及的典范。认师卡拉奇，研究模仿古代艺术家高明之处，担任皇家艺术学院第一任院长，阐述“学院派”观点：信奉艺术权威重要性；他的肖像画表现性格和社会角色。

约翰逊圈子里一位知识分子，亲近得体真实记录。

《鲍尔斯小姐和她的狗》，雷诺兹，1775年，画布油画，

让我们看到小姑娘对宠物的感人之爱。摆拍法。

不喜欢“发明”，设计。与雷诺兹像卡拉奇与卡拉瓦乔。喜欢不依照程序的肖像画。快速笔法类似哈尔斯。微弱阴影和笔触使人联想到华托。

《哈佛菲尔德小姐》，盖恩斯巴勒，1780年，画布油画，Wallace Collectio,

把简单动作画的优美动人。

无奈时间主要画肖像画。他主要兴趣画速写，买家少画速写，设计构图用以激发心

法国18世纪同样有“如画”趣味。继承华托上流社会主题传统，善于发现实际景致中的宏伟和妩媚。

法国18世纪和英国一样新的兴趣关心普通人而不是关心炫耀权势者排场，有益于发展肖像艺术。继承100多年前贝尔尼尼传统，伏尔泰胸像表现冷嘲热讽才智和同情心。

7.法国大革命时期 (18世纪晚期-19世纪初期）

伦敦特维克纳姆的草莓山别墅，沃波儿，本特利和丘特, 年，英国，新哥特式别墅。

18世纪晚期，理性思想深入人心，反对传统帕拉迪奥规则，发现建筑风格随意可选，如同墙纸，没有明确的规定。

历史画开创。重构当时场面。如同今日导演。有浪漫主义情调，反映出对罗马宏伟有所偏好。

革命政府官方艺术家。马拉：革命领袖在浴室被狂热分子刺杀。新古典风格。希腊罗马人体美学，古典艺术删繁就简，去掉细枝末节，力求单纯。

诗人及神秘主义者。拒绝官方艺术及标准。受人救济为生。为自己诗篇作的插图。图解耶和华在渊面画出圆圈的景象。有米开朗琪罗影像。不是上帝自身而是想象的存在，叫尤里森【Urizen】，幻想似梦魇，圆规似闪电。布莱克不肯写生，依赖内心眼睛。素描缺陷但艺术要旨不在此。文艺复兴后公然反抗传统标准艺术家。一个世纪后才被认为英国艺术最重要人物之一。

《乡村宅邸设计图》，约翰·索尼爵士, 1798年，英国伦敦，取自《建筑画集》。

多立安柱式复兴实例，使用了帕特农神庙见识过的柱式原型。与肯特的传统下设计，索尼更像是练习如何使用希腊建筑要素。

弗吉尼亚的蒙蒂塞罗住宅，托马斯·杰斐逊（美国第三任总统）， 年，美国，新古典主义风格。

当时理性人士反对建筑规则化。华盛顿沿用希腊复兴风格。法国大革命者当自己为新雅典人。拿破仑后，新古典派成为帝国风格，欧洲大陆，哥特复兴也一并发展。

没有追求近代技法追求宏伟传统。

《西班牙国王费迪南德七世像》，戈雅，1814年，画布油画，

肖像画不同视角不谄媚权贵，展露其虚夸丑陋贪婪空虚，前无古人。

《巨人》，戈雅，1818年，飞尘蚀刻法.

戈雅不图解任何已知题材，中断传统：艺术家有自由把个人幻想画在纸上。

当时时代艺术家面临两种可能，一种是以绘画为手段的诗人追求动人戏剧性效果，一种是固守母题用毅力和诚实探索。弗里德里希属于浪漫主义 。

切尔腾纳姆的多尔赛特府邸，帕普沃斯， 1825年，英国，摄政王式建筑正面外观。

建筑师发现15世纪以来古典建筑规则源自罗马衰败的遗迹。“希腊式复兴”摄政时期「」。仿造希腊神庙爱奥尼亚式风格

像雷诺兹，深受皇家美术学院喜欢。不忘传统，宏图是赶上克劳德·洛兰风景画。

克劳道在于静穆安宁，梦境的清晰和具体，且脱离庸俗。特纳在于运动，壮丽炫目，

包含震撼力和戏剧效果。像舞台监控。

旋转构图塑造一个跟狂风怒涛搏斗印象。浪漫主义。特纳画中自然反应表现人的感

觉得特纳的赶超艺术传统有害无益。画自己所见而不是他人所见。只追求真实性。康斯特布尔鄙视一切定型画，无意骇人听闻，忠于自己视觉。

速写比完工作更为大胆，超前思想，公众不承认瞬间印象是艺术。

24年展出巴黎出名。克制简朴，不加深自然给人印象，不造作虚饰。

8. 19世纪（近代）

达维德的学生 。喜欢古典时期英雄式艺术。坚持精确训练，鄙视即兴创作和凌乱无序。技术造诣极高，当时一部分人不能忍受他圆熟的完美性

革命者。不愿变成狂热反叛者，只是不能接受学院派的标准。相信绘画中色彩比素描重要，想象力比知识重要。安格尔画派培养高贵风格，赞赏普森拉斐尔；德拉克洛瓦喜欢威尼斯画派和鲁本斯。没有清晰轮廓，没有仔细区分暗色调层次的人体，构图不讲究姿态和克制 。只要求体验一个惊心动魄的时刻。

19世纪英国美国城市大扩展，无风格时代，不同功能的建筑使用不同的风格。英国认定国民自由有赖于中世纪成就，选择哥特式风格。巴里决定建筑的整体形状和组合，帕金森负责装饰立面和内部。保留一些高贵和浪漫主义气息。

《卷帘红梅图》，喜多川歌糜（), 1790年代，日本，木板油画.

《透过水槽架看到的富士山》，葛饰北斋（), 1835年，日本，木板油画，取自《富岳百景》.

19世纪中期日本商品进入欧洲市场，印象派发现了他们。察觉到自己身上保留的欧洲程式，把富士山画成偶然从架子后面看到的景象。让印象派发现：为什么一幅画非要把场面中每个形象的整体和相关部分都表现出来？

在对立描绘自然方式之间架起一座桥梁。关注不是细节。而是母题总体形式和色调，传达南方夏日火热和宁静。寻找清晰和平衡。画中充满闪耀的光线和空气。在银灰色基调内作画，不仅没有淹没颜色，反而保持颜色和谐。

英国画家和巴比松画派与库尔贝走向另一条路。认为艺术被学院派和拉斐尔误入歧途，把自然理想化及牺牲真实性去追求美正是被拉斐尔和追随者抬高身价。提倡返回“信仰时代”。罗塞蒂想复兴中世纪艺匠精神，力求单纯真诚，人们觉得“前拉斐尔派”兄弟会树立了无法达到的目标。赞美与践行的距离。法国人却是在探索可见世界方面取得进展。

1855,巴黎棚屋举办个人画展——“现实主义-G.库尔贝画展“，为这场运动命名。”现实主义“成为一场艺术革命标志。不以任何人为师，仅仅以自然为师。性格方案相似卡拉瓦乔。追求真实。库尔贝用自己的画抗议公认的程式，艺术真诚具有重大意义。鼓励后人蔑视程式，凭良心办事。

新革命涉及支配题材程式。1848年革命期间，艺术家聚集巴比松，遵循康斯特布尔用新鲜眼光看自然，米勒决意把这种方案从风景画扩展到人物画。画出现实一样的农民生活，米勒全力强调他们宽阔结实的体格和不慌不忙的动作。比学院派更自然，更真实的气派。

德拉克洛瓦第一次高潮，库尔贝第二个，马奈第三个。画派发现传统手法只是一种手段。与真实世界观察差别很大。色彩革命媲美希腊人的形式表现革命。发现颜色实际是我们头脑里调合在一起的颜色形成的混合色。乔尔乔内，提香—委拉斯开兹—戈雅。

受戈雅影像，探究户外强光和隐没室内暗影之剑的对比。引向深入。

《隆香赛马》，马内，1865年，石版画。

混乱涂抹，暗示一些形状，感受光线速度运动。一瞬间把我们带进艺术家目击现场。

莫奈主张“不面对母题就不动画笔”，马内拜访他，确信方法对头，画下莫奈户外画室

和马内参加过1863“落选者沙龙”画展，对日本版画满腔热情。严格角度，与德加罗丹都不属于印象主义。不关心光线色彩，而是构图。但是都鄙视公众对于富于感情趣闻怀有兴趣。论点：不关注绘画题材，而是把题材转化为色彩和形状的方式。

《灰色与黑色的布局：画家母亲的肖像》，惠斯勒，1871年，画布油画，Musee

避免流露“文学”趣味和多愁善感。实际追求的形状色彩与情调毫无抵触，反而由于细

心平衡 形状，赋予画面悠闲的性质，灰色与黑色柔和色调加强画面温顺和孤独感。

《蓝色和银色的夜曲：老巴特西桥》，惠斯勒，年，画布油画，Tate

1877年展出，日本手法。批评家拉斯金批评，展现出公众和艺术家在观点上的鸿

沟。 双方都对周围丑恶和杭脏不满，拉斯金希望唤起同胞道德感，对美有高的觉

悟。而惠 斯勒。成了“唯美主义运动”一位领袖，证明艺术家的敏感是人世间唯一值得

画面斯特恩与华托二者兼得。 既能欣赏欢乐人群，也陶醉于节日。“速写化”。印象派发现渐隐法在阳光和露天并不存在，进一步把轮廓弄的模糊不清。

日常生活场面的世纪印象，莫奈神往混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。平衡画面的调子和色彩，深思熟虑。

与马内同代，与印象派保持一定距离。对设计和素描法有强烈兴趣。用印象主义观察风景的冷漠，客观的态度观察人物。看重明暗在人体上的相互作用，看重他可以用来表现运动或空间的方式。向学院派证明，新原理不是和素描法势不两立，提出高明的解决方案。

《亨利·德加和他的侄女露西》，德加，1876年，画布油画，The Art Institue of

想画出空间感，从最意外的角度看立体形状印象。

喜欢在芭蕾剧院看富有变化的躯体，画里没有故事。

雕塑加入“现代主义”。研究古典雕像。被批评家争吵，归于印象主义造反者。

不重视外形的完成，喜欢把东西留给观者想象。

公众认为懒惰或古怪。如同对待丁托列托。还是认为艺术的完美性意味着精洁洗练。

表现对圣神行为的想象，蔑视小气程式。

19世纪末青年艺术家对19世纪绘画不满意不舒服。“现代艺术”源于这种感觉。年轻参加过印象主义画展，后归隐故乡普罗旺斯埃克斯小城。毕生精力解决提出艺术问题。早期“依据自然画出普森”。认为学院式方式是违反自然的，赞赏印象主义在色彩造型的发现，支持画看见的形状和色彩，不画知道的和学到的。主张，使用印象主义者新发现，也重视画面秩序感和必然感。认为：印象主义光辉夺目但凌乱不堪。“现代艺术之父”。

《从贝尔维所见的圣维克托山》，塞尚，1885年，画布油画，Barnes Foundation,

清晰图案，又有巨大深度和距离。笔触安排和线条一致。

《普罗旺斯的山峦》，塞尚，年，画布油画，National Gallery ,

有意强调前景岩石坚固的实体形状，消除上半部分平面图案的扁平效果。

一心注意简单轮廓分明的形状，让画面平稳沉静。

决心从涂鸦开始忘掉绘画规则。对平衡设计感兴趣。对透视法不看重，有碍工作就丢

掉。不像马萨乔制造空间错觉，目的表现坚实感和深度感。

当作公式分析。研究色彩视觉的科学理论，用非松散色（unbroken colour),规则小点像镶嵌画一样组成他的绘画。指望如此能使色彩在眼睛里（头脑里）混合，不是去强度明度。“点彩法”。

1888离开巴黎前往南法。在英国比利时做过传教士，受米勒艺术感染，决定画画。收到弟弟一直支持，前往阿尔勒。希望让他的画有着日本彩色版画那种直接强烈的效果，创造一种纯真的艺术，不仅吸引富有的鉴赏家，还要能给所有人快乐和安慰。从印象主义和修拉点彩法吸取教益。使用的笔触传达他自己的激情，表达出梵高一些心理状态。不关心正确表现方法，用色彩和形状表达自己对画之物的感觉和希望别人产生的感觉。与塞尚都抛弃“模仿自然”的绘画目标。

用画笔涂色，还能勾线，还能像作家强调词语一样，把色彩涂厚。第一个发现断株残

茬，灌木树篱和庄稼地之美，发现多节橄榄树枝，丝柏形状之美的画家。

《圣玛丽的拉梅尔风光》，梵高，1888年，笔印度墨和纸，Sammlung Oskar

狂热的绘画冲动要画光芒四射的太阳。

《艺术家在阿尔勒的寓所》，梵高，1889年，画布油画，Musee d’Orasy, Paris。

画简陋平静常见的东西。

《在大使饭店的歌唱家阿里斯蒂德·步律昂》，图卢兹-劳特累克（Henri de Toulouse-Lautrec ,), 1892年，法国，石板招贴画.

德加的追随者。欧洲从日本学来的方法适合广告艺术。

布鲁塞尔保罗-埃米尔·让松街的他塞尔大厦，霍尔塔（Victor Horta , )，1893年，新艺术建筑，比利时。

19世纪末期建筑发展成一套无意义的常规。拉斯金和莫里斯改革工艺美术，举行“新艺术”运动，学习东方。霍尔塔学习日本艺术，放弃对称构图，使用东方弧线，放入铁结构。布鲁内塞斯基以后，第一次给欧洲建筑者提出新风格。

《王尔德〈莎乐美〉插图》，比亚兹莱（Aubrey Beardsley ,), 1894年，巴黎，日本牍皮纸。

从惠斯勒和日本版画汲取灵感，创作黑白插图风靡欧洲。

并不谦卑和使命感。1888被梵高说服在阿尔勒合伙。做过证券经纪人。和梵高不和离开阿尔勒，到了南太平洋大溪地岛，发现艺术处于华而不实的危险之中，知识剥夺了人的最高天资—感情力量和强度和直接表现感情的方式。时代艺术家意识到风格后，就讨厌单纯技巧，感觉传统程式不可信，渴望发现艺术中不可学会的诀窍，其不仅属于风格也与人性相关。

保持“野蛮”，正确表现自然之子。试图进入土著的精神境界。

印象主义运动最年长，讲究方法的斗士——毕沙罗。 印象派实际感受——把画家的实际感受传达给观众。

新的问题：要求运用色调层次暗示深度感跟希望保留我们所见到的美丽色彩之间的冲突。此画避免对透视与深度的强调，以便让我们欣赏一幅色彩的图案。

简化的手法更为大胆，获得招贴画般的清晰效果。

同济大学规划与建筑学院精品课《建筑理论与历史》

中世纪建筑：以宗教建筑为核心

文艺复兴建筑和由巴洛克到法国古典主义的阶段

现代建筑：100多年的历史，从18世纪到20世纪

以史带论：将各种学说和概念放到历史中去，从更深层的角度的看待

整体与细节的并重：Array理论的多维视野：

历史的多种阅读：西方学者做的很多，历史的解说是更有意义的，多样的。

批判性认识：体现了历史学习的理论性。

历史是关于过去的，但永只存在于现在。

现代人对历史的重新发现，中国人对历史的关注吸取了西方历史研究的经验。

一、建筑历史的多种阅读

《后现代建筑语言》查尔斯·詹科斯（常青和卢永毅都反复提到的书）

对历史的解说，认为新生事物绝对的比旧事物要好。

图书学和图像学：The Mathematics of the ideal Villa/colin Rowe；将柯布西耶和帕拉蒂奥的别墅进行比较。关注建筑形式本身的变化，和这种变化的内在特征。更早是艺术史学家研究艺术作品的阅读方式。

Visually-Based Studies ：文丘里《建筑的复杂性和矛盾性》《向拉斯维加斯学习》

《西方建筑理论的历史》